File di persone imbottigliate che criticano il traffico da dentro l’abitacolo di un’auto con dietro di loro file di persone che criticano il traffico da dentro l’abitacolo di un’auto, e così via, fino all’ultimo tizio che usciva di casa per fare un pronto soccorso e ora piange.
Il 3 ottobre del 1999, giusto 20 fa, è morto mio padre. Un infarto giù al condominio dove viveva. La strada era gremita di persone e di autoimmobili. Forse, senza quell’ingorgo, si sarebbe potuto salvare e Stefania avrebbe potuto conoscere suo nonno.
Tre ore di pace e musica al “Mediterraneo Reading Festival” di Frattamaggiore
Per la terza e ultima serata del MRF abbiamo chiesto a una serie di amici musicisti e cantanti di restituirci qualcosa del clima dell’ultimo periodo degli anni ’60. Lo spunto era il cinquantenario delle tre giornate di Woodstock che videro raccolto il movimento hippie, ad agosto del ’69, in un grande appezzamento di terreno affollato da almeno 400.000 persone; più di quanti ne abitino a Bologna, a Bari o a Firenze, per intenderci.
Un evento epocale della storia del rock e della cultura PEACE & LOVE, ma, per certi versi, anche il canto del cigno della generazione dei figli dei fiori, l’inizio del declino di quel movimento informale che aveva protestato contro la guerra in Vietnam (1955-1975), chiedendo di sostituire le chitarre coi fucili, predicando l’amore libero, cercando l’allargamento degli stati di coscienza attraverso le droghe e il ritorno alla natura e alla vita comunitaria. Erano tempi in cui un crescente numero di giovani manifestava un rifiuto per le norme imposte e il conformismo della vita borghese dei padri, riecheggiando lo spirito contestatario che si era sviluppato con la beat generation a ridosso della seconda guerra mondiale. A ben vedere si tratta di temi che si muovono su binari paralleli e intrecciati con quelli dei giovani protestatari di ogni tempo e con quelli delleonde di indignados a di ambientalisti odierni; anche se sono radicalmente cambiati i meccanismi di creazione e fruizione degli eventi culturali e noi, con questa rievocazione, abbiamo voluto anche guardare a quegli anni con l’affetto che nutriamo per le cose perdute dei tempi andati. Per quanto, in molti casi, abbiamo dovuto frapporre anche la giusta distanza ironica con quella generazione di perdenti beat (perché è evidente che il movimento, in larga parte, perse e si disperse nei meandri del tempo, anche se di tanto in tanto ne riemergono rivoli carsici). Nel corso della serata abbiamo ascoltato brani che si sono suonati a Woodstock e brani che si sarebbero potuti suonare a Woodstock, alternandoli con canzoni italiane sempre risalenti a quei fatidici anni che vanno dal ‘68 agli inizi degli anni ‘70.
Il concerto si è aperto con Emanuele Picozzi, artista locale di respiro internazionale, che ha presentato il classico beatlesiano Hey Jude. In realtà, i Beatles non parteciparono di persona al festival di Woodstock, ma, visto che nel ‘69 si era nel pieno della beatlesmania, alcune delle loro celeberrime canzoni furono interpretate da Joe Cocker (il padre putativo di Zucchero ‘Sugar’ Fornaciari) e da Richie Havens (quello di Freedom e di Gay Cavalier, canzone di lancio di un album prodotto nel 1983 da Pino Daniele e, incredibilmente, mai stampato su CD). Su quel palco Joe Cocker cantò una delle più belle versioni di “With a Little Help from My Friends” che si ricordi e Havens reinterpretò, da solo con la chitarra acustica, quello stesso brano insieme con “Strawberry Fields Forever” e, per l’appunto, “Hey Jude”. Di seguito Emanuele Picozzi ci ha fatto ascoltare “Io vivrò” di Mogol/Battisti, brano pubblicato prima dai The Rokes, nel ‘68, e poi da Battisti stesso, nel ‘69, nel pieno della musica beat all’italiana.
Filippo Piccirillo e Silvana Silvestri (2/6 del tostissimo gruppo Rall’n”FACC band) hanno proposto una loro personale versione di “Summertime” (in ricordo della versione acida del capolavoro di George Gershwin presentata a Woodstock da Janis Joplin) ed uno struggente brano di Ornella Vanoni, “Una ragione di più”, riletto da Filippo, nella parte finale, in chiave prog. Infine, ci hanno deliziato con un omaggio agli Alunni del Sole eseguito attraverso l’esecuzione di “L’Aquilone” e di “Concerto”, entrambi rigorosamente del 1969, ovvero brani che hanno 50 anni ma se li portano benissimo. Gli Alunni del Sole sono tra gli antesignani del beat italiano (e napoletano) e, insieme con gli Showmen, aprirono la strada “rhythm & blues” all’italiana.
Con i CMPS Project from Caivano (Italy), siamo approdati sulle rive di Jimi Hendrix per ascoltare “Little Wing”, uno dei brani più coverizzato di sempre dedicato alla piccola ala, l’ispirazione che viene a consolare l’isolamento e la sofferenza degli artisti:
“Quando sono triste viene a trovarmi Con un migliaio di sorrisi Per i quali non chiede nulla in cambio
Va tutto bene, mi dice Tutto bene Prendi da me quello che vuoi Qualsiasi cosa
Continua a volare Piccola Ala”.
L’anno dopo la performance di Woodstock sarebbero morti sia Hendrix (per un cocktail di alcol e tranquillanti, a settembre) sia Janis Joplin (per overdose, ad ottobre). Avevano entrambi 27 anni. La stessa età di Brian Jones, membro fondatore dei Rolling Stones, morto il mese prima della festa di Woodstock.
Giusto due anni dopo di lui (il 3 luglio del 1971) se ne andò Jim Morrison il cantante icona dei Doors. Poi sarà la volta di Leila Diniz, eccentrica attrice brasiliana (1972), di Jean-Michel Basquiat, vulcanico artista pop (agosto 1988), di Kurt Cobain (aprile 1994) e Amy Winehouse (luglio 2011). Il club dei (J)27, la lunga sequela di artisti morti a soli 27 anni, quasi sempre per certe oscure contiguità con alcol e droghe. Perché magari l’uso di sostanze stupefacenti può pure allargare gli stati di percezione, ma di certo l’abuso accorcia la vita. Va be’, bando ai moralismi d’accatto, l’esibizione rock dei CMPS Project è continuata con uno dei brani più famosi del progressive all’italiana, il classico della PFM Impressioni di settembre. In realtà, con il brano di Mussida, Mogol e Pagani abbiamo fatto un piccolo salto temporale e siamo arrivati al 1971. Ma siamo nella stessa atmosfera. E poi ci voleva un brano dedicato a questo incerto settembre, “il mese del ripensamento sugli anni e sull’età” (Guccini, “Canzone dei 12 mesi”).
Dalle fresche e giovani voci di Chiara Pezzella, al canto, e di Nicola Copertino, al sassofono tenore, abbiamo ascoltato un’intensa interpretazione di una canzone dei Jefferson Airplane, “Somebody to love”, e un brano in italiano degli stessi anni, “Ho difeso il mio amore”, impreziosito dal loro arrangiamento per sola chitarra, sax e voce. “Somebody to love” è il primo grande successo della band di San Francisco. Un inno e una bandiera della “Summer of Love” dei giovani californiani che predicavano e diffondevano i loro ideali di pace, amore e libertà attraverso la musica e il loro look psichedelico e fricchettone. E in Italia gruppi come i Camaleonti, i Corvi, i Dik Dik, l’Equipe 84, i Giganti e i Ribelli raccolsero il messaggio cantando loro traduzioni di canzoni beat inglesi e americane. Tra queste, la traduzione di Nights in White Satin dei Moody Blues, resa in italiano con “Ho difeso il mio amore”, un altro inno all’amore libero, fiorito e fluorescente della generazione hippie riproposto sia dai Profeti (nel ’68) che dai Nomadi (nel ’69).
In the meantime, nel frattempo, in Italia Nada cantava un brano bellissimo e struggente, “Ma che freddo fa”, che ci è stato riproposto dalla cantautrice Germana Grano insieme con “Storia d’amore” di Celentano. Germana è una cantautrice sensibile che si è formata con maestri del calibro di Brunella Selo e ha collaborato con il pianista Piero De Asmundis, oltre ad essere stata la vincitrice di una delle prime edizioni del Premio Bianca D’Aponte per giovani cantanti e autrici. I due brani che ci ha proposto, ben radicati nella tradizione della canzone all’italiana, hanno dimostrato di avere poco o nulla da invidiare alle canzoni di taglio più rock e rockeggiante che abbiamo ascoltato durante la serata. Personalmente ho sempre amato Ma che freddo fa, capolavoro di Franco Migliacci e Claudio Mattone cantato a Sanremo anche dai The Rokes (i rivali angloitaliani dell’Equipe 84), ma nel contesto di ieri è stata bellissima anche la versione di Storia d’amore accompagnata da Jennà Romano al bouzouki accentuando l’andamento tangheggiante del brano originale.
Pasquale Di Resta from Sessa Aurunca, chitarrista sensibile e creativo, grande conoscitore dello strumento sia nelle inflessioni rock che negli andamenti sudamericani e nelle sperimentazioni più ardite (tipo, chitarra elettrica suonata con l’archetto), ci propone una sua rilettura acustica e solitaria di “White Rabbit” dei Jefferson Airplane, brano psichedelico per eccellenza. È risaputo che negli ambienti hippie e post-hippie si ritenesse che suonare e percepire la musica in stati alterati di coscienza potesse ampliare le possibilità di comunicazione degli artisti; si pensava, insomma, che sostanze come cannabis, peyote, mescalina ed LSD aiutassero i musicisti ad entrare in una sorta di dimensione sciamanica e metafisica. Ma l’approccio dei Jefferson Airplane mi piace molto perché mi sembra più ironico e distaccato di quello di artisti più sanguigni e viscerali, come i J27 Jimi Hendrix, Janis Joplin e Jim Morrison. Immagino che i Jefferson Airplane potessero perfino apparire piuttosto distaccati e intellettualoidi rispetto alla stragrande maggioranza dei loro colleghi di Woodstock. Il brano che ascolteremo, per esempio, ha chiare influenze ritmiche e armoniche spagnoleggianti mutuate dal Bolero di Ravel e da Sketches of Spain di Miles Davis & Gil Evans (1960), oltre ad essere corredato da un testo che rievoca le atmosfere di Alice in the Wonderland (Alice nel Paese delle Meraviglie): i versi mescolano, infatti, immagini della favola del reverendo Lewis Carroll con una descrizione delle alterazioni provocate dagli acidi.
One pill makes you larger, and one pill makes you small And the ones that mother gives you don’t do anything at all Go ask Alice when she’s ten feet tall.
Una pillola ti rende grande e una pillola ti rende piccolo E quelle che ti dà la mamma in fondo non fanno nulla; Domandalo ad Alice, quando è alta tre metri.
D’altronde, lo stesso White Rabbit del titolo altri non è che il Bianconiglio della favola.
Di seguito Pasquale imbraccia la sua Diavoletta Gibson e rievoca due miti della chitarra anni ‘60, uno morto troppo presto e un altro ancora vivo, vegeto e produttivo: Jimi Hendrix e Carlos Santana.
Jimi Hendrix era già molto popolare ai tempi del suo storico concerto di Woodstock nel quale, tra l’altro, suonò una versione distorta e ferocemente parodica dell’inno nazionale americano, in chiara polemica con la guerra del Vietnam e il reclutamento coatto di tanti giovani statunitensi. Nel ‘67 era già uscito “Are You Experienced?”, uno degli album di debutto più belli della storia del rock. E proprio dalla versione americana di “Are You Experienced?” viene “Purple Haze”, una foschia viola che si estese su tutto il territorio di Woodstock e che Pasquale ha sparso a piene mani sulle nostre teste.
Di Santana (da Jalisco, Mexico) abbiamo ascoltato un altro dei brani iconici di Woodstock: “Soul Sacrifice”. C’è da dire che nel ‘69 Santana, contrariamente a Hendrix, non era affatto popolare, ma quel brano esteso per 11 minuti e suonato da lui e dai suoi sodali sotto l’effetto di acidi lo impose all’attenzione internazionale. Una sorta di rito collettivo suonato da un gruppo di sciamani invasati del rock. E Pasquale, accompagnato poderosamente da Mirko Del Gaudio alla batteria, Nicola Girardi al basso e Filippo Piccirillo alla tastiere (tutti rigorosamente sobri e non calati), ci ha restituito con la sua esibizione lo spirito e la sostanza di quel mitico rituale consumato a Woodstock ad agosto del ’69.
La serata si è chiusa con tutti i musicisti e i cantanti sul palco che, insieme con il presidente del MRF Domenico Giuliano e con il professore Luigi Caramiello, hanno eseguito una versione collettiva di Come Together, la canzone che apre il disco Abbey Road dei Beatles, uscito, pensate un po’, proprio nel settembre del 1969, giusto 50 anni or sono.
“One thing I can tell you is you got to be free”, “Una cosa che posso dirvi è che dovete essere liberi” dice un verso di questa famosissima canzone.
E allora… come on, All together, right now!
Come si faceva quando la musica si suonava nei parchi, i cantanti non venivano cantati dall’auto-tune e le note venivano dalle mani di musicisti sudati, senza rete e a perenne rischio di caduta.
Va buo’, mo faccio il nostalgico.
In una rievocazione ci vuole.
Soprattutto quando ci sono di mezzo i mitici anni ’60, o su di lì.
Discorso di presentazione a uno spettacolo di danza popolare andalusa e gitana de las hermanas Miriam y Sara Costanzo Señoras y señores:
Mi metto su un piedistallo ed esordisco instaurando un parallelo tra me, seduto qui tra voi, e nientepopodimeno che Federico García Lorca, in piedi, nel 1933, in una sala di Buenos Aires.
In quella conferenza del tutto simile a questa Lorca sosteneva che si annoiava ad assistere a conferenze simili a questa; gli veniva voglia di aria e di sole e temeva che da un momento all’altro sarebbe arrivato “il terribile moscone della noia che infilza tutte le teste con un tenue filo di sonno e mette negli occhi degli ascoltatori sparuti gruppi di punte di spillo.” (García Lorca, “Gioco e teoria del duende”). In parole povere, come il buon Federico, mi impegno a non farvi troppo la palla e a dire cose non del tutto banali. Ma più di questo non posso fare. Comincerò, infatti, nel più noioso dei modi, leggendo quello che ho scritto un po’ in fretta qualche ora fa senza avere né il tempo di prepararmi a dirvi tutto a braccio né la possibilità di sintetizzare ulteriormente il mio intervento.
Ci sono musiche che hanno un impatto immediato sull’ascoltatore. Appena le senti ti viene voglia di muovere il piede ed alzare il culo dalla sedia per ballare. Ci sono canti che ti sconvolgono, ti fanno piangere, ti fanno ridere, pescano tra i tuoi ricordi. Non importa in che lingua li stiano cantando…, parlano proprio a te e di te. Il flamenco fa parte di questa vasta e ristretta categoria di danze, musiche e canti che toccano corde sensibili di tutti gli ascoltatori. Non è un caso il fatto che si balli, si ascolti, si suoni e “si parli” flamenco dappertutto, dalla Russia al Giappone, dal Marocco alla Lapponia.
Suppongo che tutti vi siate ritrovati qualche volta a canticchiare “Djobí Djobá” o a entusiasmarvi per una pubblicità che mostrava il corpo nudo e danzante di Joaquín Cortés o a battere le mani al ritmo di una rumba gitana in un locale di Barcellona o in un villaggio turistico di Pescopagano. Insomma, conta poco che siate persone favorevoli all’integrazione tra i popoli o razzisti inveterati. Il flamenco, comunque, non vi è estraneo. Nemmeno se siete parte integrante dell’ampia maggioranza di italiani che non-sono-razzisti, ma-gli-zingari-però…
Ecco gli zingari… i rom, i sinti, i camminanti, i kalè residenti in Spagna da almeno sei secoli, los gitanos, i gitani, les gitanes che danzano sul pacchetto blu di una famosa marca di sigarette francesi…, è a loro che si deve l’invenzione, la diffusione ed anche la riformulazione in chiave moderna e contemporanea di questa musica e del “cante” e del “baile” che l’accompagnano.
Fin dalle sue opache origini, il flamenco era espressione del popolo nomade dei romaní che durante le sue migrazioni attraversò l’Asia e l’Europa scambiando suoni, canti e passi di danza con i popoli del Medio Oriente, dei Balcani e del Mediterraneo… E l’origine di quel popolo nomade è tanto misteriosa e opaca quanto quella del flamenco. Probabilmente appartenevano a caste bistrattate che provenivano dal Punjab e dall’attuale Pakistan e che furono costrette al nomadismo da conflitti interni e dalla ricerca di migliori condizioni di vita. Non a caso ci sono tanti parallelismi tra la musica flamenca e quella tradizionale dei raga indiani.Anoushka, la figlia del grande Ravi Shankar, ha costruito melodie bellissime basate sui modidel flamenco fusi con le strutture musicali e gli strumenti della tradizione indiana.
In ogni caso, pare che dopo tante peripezie il popolo gitano emigrò dal Punjab all’Egitto per poi attraversare l’Europa e stabilirsi in terre meno ostili. (Quasi certamente il termine gitano viene da “aegyptanus“, il che ha fatto anche ipotizzare una provenienza egiziana dei kalè spagnoli.)
Quello che è certo è che una parte di questo popolo in cammino si spinse fino all’estremo Occidente dell’Europa e divenne pressoché stanziale in Andalusia, territorio multietnico che restò tollerante con i gitani anche quando, nel 1492, furono espulsi dalla penisola iberica ebrei e arabi. Probabilmente, anche perché nel frattempo los gitanos si erano cristianizzati e ancora oggi si devono loro alcune delle più caratteristiche manifestazioni della religiosità andalusa, come La Romería de la Virgen del Rocío (un pellegrinaggio che si tiene 50 giorni dopo la Semana Santa, nella provincia di Huelva).
Sento aleggiare sulle vostre teste il moscone della noia, ma mi sembrava necessario fare un po’ di storia di questo popolo senza storia. Anche perché sono convinto che una parte cospicua del fascino universale del flamenco derivi proprio dalla sintesi di elementi diversi che nel loro vagare di terra in terra questi gitanos andavano assumendo dai popoli e dalle culture musicali che incontravano nel cammino: canti bizantini e gregoriani, melismi della tradizione ebraica ed araba, strumenti asiatici e occidentali, chitarra spagnola, danze e percussioni indiane, balcaniche e magrebine…
Continue contaminazioni. Benedetti contagi. Musica che attraversa i confini e li annulla…
Ma veniamo alla storia più recente della musica popolare andalusa e gitana. Nella seconda metà dell’ottocento, la tradizione flamenca, inizialmente basata solo sul baile accompagnato dal cante e dal battito delle mani (las palmas) si incontrò con una consolidata tradizione chitarristica. In questo stesso periodo si svilupparono a sud del fiume Guadalquivir tre “focolai” di evoluzione della musica flamenca, da cui nacquero tre distinte scuole stilistiche: Cadice, Jerez de la Frontera, e il barrio di Triana a Siviglia. In seguito il flamenco cominciò a uscire dai campi gitani e a diffondersi prima nei “café chantant” e poi nei “tablaos” frequentati della borghesia spagnola e dai turisti in cerca di esotismo, passione latina e souvenir a pois bianchi, neri e rossi da incorniciare nella propria memoria. Prende le mosse da qui la diffusione internazionale della musica di questi zingaracci andalusi. Cominciano a interessarsi al modo frigio del flamenco anche jazzisti del calibro di Charles Mingus, John Coltrane, Gil Evans, Miles Davis, Chick Corea, Michael Camilo… e a sua volta il flamenco comincia a contaminarsi con i ritmi sudamericani, in concomitanza con i flussi migratori ispanoamericani.
Insomma, la contaminazione continua al di là dell’EurAsia e produce nuovi frutti come lo splendido Entre dos Aguas di Paco De Lucía, che nel 1975 fa sentire al mondo intero questa straordinaria rumba sospesa tra le acque dell’Atlantico e quelle del Mediterraneo, un meraviglioso palo de ida y vuelta, un flamenco di andata e ritorno.
Oggi si contano decine di “ palos”, ovvero di stili di flamenco differenziati in base alla melodia, alla tonalità, all’argomento trattato e al compás. Il compás, a sua volta,è la sequenza ritmica che caratterizza i diversi tipi di palos. Di norma, viene “tenuto” con las palmas, le quali possono essere sorde, quindi realizzate creando un vuoto d’aria, oppure eseguite battendo le dita di una mano nella concavità dell’altra. Alcuni palos sono accompagnati dalla chitarra, altri sono “a palo seco”, ovvero sono cantati a cappella, senza accompagnamento strumentale e con los bailaores che si accompagnano con palmas e zapateado, ovvero battiti di mani e scarpe che battono il tavolato di legno dando un ritmo ai movimenti sinuosi dei corpi (questo fa sì che i ballerini di flamenco siano sempre anche dei veri e propri percussionisti).
Ma ci sono anche palos senza accompagnamento di chitarra in cui sentiamo risuonare il suono di un martello percosso ritmicamente su un incudine. Si tratta di un tipo di toná chiamato martinetes e nato forse come un canto di lavoro, visto che molti gitanos erano dediti alle attività di calderaio, fabbro e maniscalco ed erano pratici nell’uso dell’incudine e del martello.
Per fare un po’ di ordine nella varietà di palos esistenti oggi, molti studiosi provano a distinguerli in due macrogruppi: quello del cante jondo (canto profondo), cui appartengono palos più antichi e malinconici che rappresentavano la condizione di emarginazione e sofferenza vissuta dai gitani, e quello del cante chico, basato su temi più leggeri, festosi e allegri.
Sara e Miriam si esibiranno in questo primo blocco in una alegrias lenta al compás di 12, un palo seco al compás di 4, un tango gitano al compás di 4 e una sevillanas in 3/4, tutti balli che attengono alla vena più gioiosa del flamenco.
Nel secondo blocco presenteranno brani di “flamenco fusion”, ovvero musica tradizionale gitana contaminata con musica strumentale e pop. In particolare, le ammireremo in una coreografia basata sulla colonna sonora di Zorro, del compositore statunitense James Horner, e due brani dei Gipsy Kings (i monarchi del flamenco pop): ovvero lo strumentale Allegria e una versione aflamencada di My Way che nelle mani dei Re Gitani diventa A mi Manera.
Nel terzo blocco di balli avremo un saggio del fortunato incontro del flamenco con la musica classica. Ancora una contaminazione, benché cólta e accademica. Confesso che in questo ambito le mie preferenze vanno all’opera autoctona di Manuel de Falla, ma Miriam e Sara hanno preferito lasciarci sulle aricinote note della Carmen di Bizet, un compositore francese trascinato dalla moda spagnola che imperversava tra gli artisti europei del Romanticismo.
In realtà, già nel ‘700 erano rimasti irretiti dai ritmi e dalle armonie della musica popolare andalusa autori del calibro di Domenico Scarlatti, Boccherini, Gluck e Mozart. Ma fu soprattutto nell’800 e, segnatamente, in Russia e Francia, che esplose l’interesse della musica colta per il flamenco con autori come Debussy, Ravel, Rimsky-Korsakov, Tchaikovsky e, per l’appunto, Bizet, con la sua celebre opera ambientata a Siviglia di cui assisteremo ora a due quadri coreografici (la famosa habanera e una danza di stile aragonese). La Carmen è un’opera basata sul fuoco della passione, e sospesa tra eros e thanatos come piaceva ai romantici e come continua a piacere al pubblico di oggi. Un’opera senza mezze misure, tutta vestita di rosso e di nero.
Speriamo che nell’interpretarla las dos hermanas Costanzo siano prese di nuovo dal “duende”, dal “munaciello”, da quel demone “misterioso che tutti avvertono e che nessun filosofo riesce a spiegare”. Proprio nella conferenza con cui ho osato esordire, García Lorca affermava che el duende è uno spirito che viene dalla terra e “sale interiormente partendo dalla pianta dei piedi”, un fuoco sacro “trasmigrato dai misteri greci nelle ballerine di Cadice”. Il che conferma il carattere tutto terreno del flamenco, un ballo dionisiaco che punta i piedi al suolo ed è tutto basato sul ritmo e sulla fisicità degli interpreti, tanto quanto la danza classica occidentale tende a liberare i piedi dal suolo per rendere i corpi eterei, leggeri, apollinei e svolazzanti…
Vedete questo demone in azione in un gruppo di foto de las hermanas Costanzo realizzate da Rosario D’Angelo.
Nel balletto classico i passi sono codificati e le coreografie predeterminate, nel flamenco l’improvvisazione la fa da padrona. Anche perché “per cercare il duende non v’è mappa né esercizio”. “I grandi artisti della Spagna meridionale, gitani o flamenchi, sia che cantino, ballino o suonino, sanno che non è possibile alcuna emozione senza l’arrivo del duende”. “Il duende non si ripete, come non si ripetono le forme del mare in burrasca.”
Insomma, godiamocele queste onde e lasciamoci trascinare dal ritmo. Il flamenco non è fatto per rilassare la mente o fare da sottofondo. Il flamenco è fatto per scuotere e agitare. La sua essenza attiene più alla trance degli sciamani e al fuoco dei tarantolati che alla meditazione degli asceti. Per quella consiglio Debussy, il silenzio e Satie.
Metto le mani davanti (come se volessi nascondere le pudende o proteggere i coxxxoni): insomma, non ditemi che trovate che questi giochetti non siano abbastanza politicamente corretti; lo so, lo so, sono pieni di difetti, ma questo è il Paese in cui un ministro non perde la faccia neanche dopo che definisce una donna “zingaraccia”…
Sull’onda di tanta sfrontatezza, per una volta, rutto in pubblico anch’io. Tanto per vedere l’effetto che fa. E, comunque, lo faccio dopo aver indossato una maschera ludica, per coprire vergogna e vergogne. Mi scuserete ma, per il momento, non ce la faccio a essere più scostumato e spudorato di così, certe salvinate sono al di là delle mie umane possibilità.
“Le parole dei saggi fanno gustare la scienza, mentre la bocca degli stolti esprime sciocchezze.”
(Proverbi 15:2)
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– Parlateci di Bibbia!
– Parlateci di Matteo!
“Chiedete e vi sarà dato; cercate e troverete; bussate e vi sarà aperto.”
(Matteo 7:7)
“Tutte le cose, dunque, che voi volete che gli uomini vi facciano, fatele anche voi a loro; perché questa è la legge e i profeti.”
(Matteo 7:12)
“Siate umili come colombe e prudenti come serpenti.”
(Matteo 10:16)
“È più facile che un cammello passi per la cruna di un ago, che un ricco entri nel regno di Dio.”
(Matteo 19:23)
“Perché ebbi fame, e mi deste da mangiare; ebbi sete, e mi deste da bere; fui forestiere, e mi accoglieste.”
(Matteo 25:35)
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No, no, basta
con queste
sciocchezze
del passato
Parlateci di Bibbiano…
Diteci di Matteo Renzi..
“Dio inviò una piaga di zanzare.”
(Esodo, 8:16)
“Il trionfo degli empi è breve e la gioia del perverso è di un istante.”
(Giobbe 20:5)
“Solo un soffio è ogni uomo che vive, come ombra è l’uomo che passa; solo un soffio che si agita, accumula ricchezze e non sa chi le raccolga.”
(Salmo 39)
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Ok, va meglio,
E ora parlateci
dell’altro Matteo,
parlateci di Matteo Salvini.
“Dio inviò una piaga di mosche velenose. La terra fu devastata.”
(Esodo, 8:24)
“Il Signore mandò tra il popolo dei serpenti velenosi che mordevano la gente, e gran numero d’Israeliti morirono.”
(Numeri, 21:6)
“Ciò che è storto non si può raddrizzare e quel che manca non si può contare.”
(Qoèlet 1:15)
“Se sei sapiente, lo sei a tuo vantaggio, se sei spavaldo, tu solo ne porterai la pena.”
(Proverbi 9:12)
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Parlateci di Bibbia, no
Parlateci di Bibbiano
Parlateci di Matteo
Parlateci di Salvini
Oppure no, non
ci parlate
affatto.
Diteci solo
dove dobbiamo guardare,
chi dobbiamo applaudire
e chi condannare.
Diteci chi dobbiamo cacciare,
di cosa dobbiamo blaterare
e qual è il prossimo nemico
da linciare,
che già ci prudono le mani!
“Tutti sono diretti verso la medesima dimora: tutto è venuto dalla polvere e tutto alla polvere ritorna.”
(Qoèlet 3:20)
Non capirò mai questa identificazione di una repubblica con un esercito. Tanto più in un Paese che “ripudia la guerra come strumento di offesa alla libertà degli altri popoli e come mezzo di risoluzione delle controversie internazionali” (art.11 della Costituzione Italiana).
Una repubblica fondata sul lavoro sarebbe meglio rappresentata da un corteo di lavoratori e di disoccupati che da una parata militare che avanza a passo d’oca mostrando i suoi fucili e i suoi cannoni come un esibizionista ai giardinetti.
Non mi sorprende più di tanto questa storia delle ventitré pagine chiuse da FB in quanto untrici di notizie false e contenuti di odio costruiti ad arte (soprattutto contro immigrati, ebrei e vaccini). Che i social siano infestati di bufale e notiziacce che diffondono paura, odio e incertezza è una cosa che mi pare evidente da tempo. Come mi pare evidente che, quando si parla di circa 2 milioni e mezzo di utenti che seguivano questa ventina di pagine oscurate, si omette di evidenziare che, con i meccanismi di amplificazione e riverbero della rete, le loro bufale cibernetiche e quelle di tante altre pagine ancora attive sono in grado di raggiungere altre decine di milioni di italiani, tutti cittadini votanti o futuri votanti. Una manna per chi usa la xenofobia e l’odio per captare consenso e innalzare muri; un vulnus per la democrazia rappresentativa.
Quello che ancora non mi risulta chiaro è se queste pagine farlocche (che, peraltro, molte volte riciclano follower di pagine nate per altri più innocenti intenti) siano tutte parte di un sistema di disinformazione strutturato e capillare che corrisponde a un preciso disegno politico o se si tratti di un’ondata di cretini e farabutti sciolti che, ognuno per proprio conto, crea questi falsi contenuti per diletto, per sfogare il proprio odio e le proprie frustrazioni o per guadagnarci col clickbaiting.
Probabile che siamo di fronte a una terribile mistura dell’uno e dell’altro caso. Ma, in ogni modo, reputo che la censura possa (e debba) poco contro di loro. Sconfitto un salvini ne verrà un altro. La madre dei salvini è sempre incinta.
Quello che serve è educare le nuove generazioni di naviganti a capire dove va il vento e chi crea le tempeste, riconoscere le bufale, sviluppare senso critico e, soprattutto, dubitare di tutto. Per sconfiggere il nemico non bisogna annientarlo. Lo si deve rendere inefficace. Tanto più quando si tratta di un nemico così diffuso, pervasivo e insidioso.
L’alternativa è la reintroduzione del guardiano della soglia in un mezzo che credevamo anarchico e indipendente. Ne ho sofferto anch’io. FB e Instagram mi impediscono da tempo di mettere link a questo mio povero blog personale.
Si tratta, in fondo, di sacrificare la libertà in nome della sicurezza.
Karl Popper, intimorito dalla possibilità che in una società estremamente tollerante gli intolleranti potessero prendere il sopravvento, affermò (nel 1945, si badi bene) che “dovremmo quindi proclamare, in nome della tolleranza, il diritto di non tollerare gli intolleranti”.
Io, invece, resto dell’opinione che anziché sterminare gli untori bisognerà vaccinare le loro potenziale vittime e poi lasciare le porte aperte al caos e alle fandonie.
Chi è davvero forte resiste anche al vento della calunnia.
Io invecchio
L’Europa
invecchia
Il mondo
va
complessi-
vamente
a rotoli
…
Ma ognuno
pensa che
il problema
sia altrove
Lontano
da se stesso
e dai propri
comportamenti
di ogni giorno
…
Moltitudini di ego
che si assolvono
sull’orlo
di un abisso
Della serie “Ceci n’est pas une Magritte” (praticamente 
