Il mare è di chi lo sa amare – Uno sguardo sulla vita breve e libera di Leila Diniz

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leila diniz, mare

Leila Diniz (1945-1972) era una giovane attrice dello Stato di Rio de Janeiro che, per il suo atteggiamento anticonformista e provocatorio, diventò un simbolo della liberazione femminile brasiliana; un turbine libertario che scosse nelle fondamenta il Brasile repressivo e conservatore a cavallo tra gli anni ’60 e 70 del secolo scorso; una vita spezzata da un incidente aereo in India, a soli 27 anni (come Brian Jones, Jimi Hendrix, Janis Joplin, Jim Morrison, Kurt Cobain, Amy Winehouse e compagnia cantante).

FOTO DE PAULO GARCEZ

“Sou uma pessoa livre e em paz com o mundo. Conquistei a minha liberdade a duras penas, rompendo com as convenções que tolhiam os meus passos. Por isso, fui muitas vezes censurada, mas nunca vacilei, sempre fui em frente. Tudo o que fiz me garantiu a paz e a tranquilidade que tenho hoje. Sou Leila Diniz, qual é o problema?” (“Sono una persona libera e in pace col mondo. Ho conquistato la mia libertà a dura pena, rompendo le convenzioni che mi sbarravano il passo. Per questo sono stata censurata tante volte, ma non ho mai vacillato, sono sempre andata avanti. Tutto quello che ho fatto mi ha garantito la pace e la tranquillità che ho oggi. Sono Leila Diniz, qual è il problema?”)

Figlia di un dirigente del partito comunista, subì periodi di ostracismo e censura per aver dato rifugio a militanti di sinistra perseguiti dalla dittatura e, soprattutto, per aver espresso idee e concetti che sembravano minare i valori etici e l’integrità delle famiglie brasiliane. Al punto che viene ricordato come Decreto Leila Diniz un decreto legge che puntava a controllare e reprimere tutte le manifestazioni contrarie al buon costume e alla morale comune.

Ma lei, ironica, indomita e ribelle, si divertiva a scandalizzare i bacchettoni con atteggiamenti disinibiti e frasi ad effetto come: “Você pode muito bem amar uma pessoa e ir para cama com outra. Já aconteceu comigo.” (“Puoi benissimo amare una persona e andare a letto con un’altra. A me è successo”.) oppure “Esse negócio de idade é bobagem. Você deixa de ser virgem quando tem vontade” (“Questo fatto dell’età è una stronzata. Uno smette di essere vergine quando gli va di farlo”). E continuava a rilasciare interviste infarcite di parolacce che apparivano sotto forma di costellazioni di asterischi oppure si faceva ritrarre a mare, in bikini, col pancione o, in un locale pubblico, mentre allattava sua figlia Janaína (senza, peraltro, essersi sposata col padre della bambina).

Leila era molto vicina agli artisti ed ai musicisti del movimento tropicalista, tanto che, dopo la sua morte, Janaína fu affidata a Chico Buarque ed alla sua moglie di allora Marieta Severo.
Tra i suoi amici più intimi c’era anche Milton Nascimento che, 8 anni dopo la sua tragica morte, mise in musica una sua breve poesia che metteva in ridicolo la guerra per il dominio dei mari tra Spagna e Olanda. Un tema cocentissimo in un paese soggiogato, a quei tempi, da una dittatura militare.

Milton pubblicò la canzone tratta dal testo di Leila nel 1980, nel suo album capolavoro “Sentinela”, e aggiunse all’arrangiamento anche la voce originale dell’autrice.

Il titolo è una frase di Leila che apparentemente ha poca relazione col brano: “Um cafuné na cabeça, malandro, eu quero até de macaco” (che vuol dire, più o meno, “Una grattatina sulla testa, canaglia, la voglio perfino da un macaco”).

Ma veniamo al testo poetico di Leila:

Brigam Espanha e Holanda
Pelos direitos do mar
O mar é das gaivotas
Que nele sabem voar
Brigam Espanha e Holanda
Pelos direitos do mar
Brigam Espanha e Holanda
Por que não sabem que o mar
É de quem sabe amar

Traduco:

Combattono Spagna e Olanda
Per il dominio del mare
Il mare è dei gabbiani
Che dentro ci sanno volare
Combattono Spagna e Olanda
Per il dominio del mare
Combattono Spagna e Olanda
Perché non sanno che il mare
È di chi sa amare

Un brano contro il potere, contro la guerra, ma soprattutto un inno anarchico e libertario all’amore e alla natura.

Ascoltatelo anche in questa stupenda versione live di Milton Nascimento accompagnato dal gruppo Uakti e innamoratevene.

Ma oltre che per questo testo un po’ hippie, Leila Diniz ha un posto speciale nella MPB (Música Popular Brasileira) anche per tante altre canzoni che le sono state dedicate da grandi artisti come Martinho da Vila (“Leila Diniz“, un samba bellissimo), Rita Lee (“Todas as Mulheres do Mundo“, che era anche il titolo di un film del ’66 che la vedeva protagonista in un ruolo ispirato alla sua stessa vita), Claúdia e Taiguara (“Memória Livre de Leila“) ed Elton Medeiros (“Mais feliz“).
Il poeta Carlos Drummond de Andrade riassunse la portata rivoluzionaria della sua breve e intensa vita affermando che Leila insegnò ai bambini, agli adulti e a tutto il popolo “a arte de ser sem esconder o ser”, l’arte di essere senza nascondere l’essere. “Leila para sempre Diniz, feliz na lembrança gravada: moça que sem discurso nem requerimento soltou as mulheres de vinte anos presas ao tronco de uma especial escravidão” (“Leila per sempre Diniz, felice nel ricordo impresso nella nostra memoria: giovane donna che senza discussioni né petizioni liberò le donne da venti anni attaccate al palo di una speciale schiavitù.”)

Brigam Espanha e Holanda
Pelos direitos do mar
Brigam Espanha e Holanda
Perché non sanno che il mare
È di chi (lo) sa amare

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Ogni fine è un principio – (Sonetto beneaugurante per la Preside uscente)

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poesie d'occasione

“Non è vero che smettiamo di perseguire i nostri sogni perché invecchiamo, invecchiamo perché smettiamo di perseguire i nostri sogni.”

(Frase attribuita a Gabriel García Márquez, ma potrei pure averla scritta io, tu o mio zio).

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C’è gente che cominicia la pensione
molto prima che smetta il suo lavoro,
ma non è questo il caso e l’occasione
di chi del proprio fare fa tesoro

e merita un tempo di riposo
dopo un impegno grave e generoso.
Per altri sarà certo più indolore
cessare un impegno che non c’era,

ma riposar per lor sarà incolore
come incolore travagliare era.
A lei auguriamo invece giorni pieni
Scevri da stress, noie, POF e veleni,

seguitando a costruire sogni
senza che di sognar mai si vergogni!

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Ed ora… Musica, Maestro!

Libero adattamento del brano di Aniello Califano ed Enrico Cannio ‘O SURDATO ‘NNAMURATO.
La base utilizzata è proprietà della Karaoke Academy Italia.

Un ringraziamento a Gianfranco Del Prete e Lucia Mariano per aver fornito la maggior parte delle immagini che scorrono nel video.

Il presente, il passato e l’avvenire di Claudio Monteverdi

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Monteverdi

Parlando del rinnovamento musicale italiano del ‘900, Massimo Mila scriveva che “in Italia Monteverdi non sta nel passato, bensí nell’avvenire: è davvero una conquista e un valore da recuperare, poiché era stato sepolto – insieme alla polifonia cinquecentesca e alla civiltà strumentale barocca – dall’alluvione melodrammatica del Sette e Ottocento.”
Mi sono andato a rileggere la pagina che conteneva questa citazione dopo aver assistito a una bella operazione di rilettura dell’opera e della tormentata e ordinaria vita d’artista di Claudio Monteverdi, spettacolo prodotto e presentato oggi in anteprima dal Cantiere_Giovani_TAV di Frattamaggiore (la contraddittoria cittadina in cui sono nato e vivo).

“Monteverdi’s Epistolary – Azione n° 0 per solo, voce recitante e sintetizzatori” è un progetto musicale di Salvio Vassallo messo in scena e diretto da Raffaele Di Florio che ha adattato liberamente brani dell’epistolario monteverdiano.
All’inizio dello spettacolo, a sinistra del palco, la bravissima cantante Valentina Gaudini interpreta, su un tappeto di musica elettronica, una parte del “Lamento della Ninfa”, struggente madrigale che, secondo l’annotazione autografa di Monteverdi, “va cantato a tempo dell’affetto dell’animo e non a quello della mano” (insomma, la predominanza del ritmo psicologico sulla scansione metronomica delle parole).
Poi Valentina Gaudini esce di scena e, seguendo uno schema di alternanza di canto e recitazione che percorre tutto lo spettacolo, la luce illumina Antonello Cossia sulla destra del palco.
Cossia, interpretando in modo credibile Claudio Monteverdi, esordisce raccontando in prima persona la sua stessa morte: “Sono morto a Venezia nel 1643” (trascrizione non verbatim, nonostante le virgolette. Vado a memoria).
Poi comincia a raccontarci la sua vita (sua di Claudio Monteverdi) intervallandola con la lettura di brani tratti da una serie di lettere scritte nella prima metà del ‘600: la nascita a Cremona, la composizione dei primi madrigali, l’assunzione a Mantova alla corte dei Gonzaga come violista, il matrimonio e la nascita dei figli, la nomina all’inizio del ‘600 come “Maestro della musica” del duca Vincenzo, la composizione dell’Orfeo (la sua prima e seminale opera lirica), i rapporti tesi con i Gonzaga che lo portarono nel 1613 a trasferirsi a Venezia, dove ebbe i suoi più grandi successi come maestro di cappella della Basilica di San Marco e dove cominciò a godere di un po’ di stabilità economica dopo le numerose petizioni che miravano a ricevere un vitalizio decente dai duchi di Mantova. Nella rappresentazione si insiste molto sul fatto che gli era stata assicurata una pensione di 100 ducati mensili, ma gliene avevano conferiti solo 70. Un tormentone tragicomico che segna le difficoltà di sopravvivenza di un artista, anche sommo, come Monteverdi. E in fondo tutta la narrazione disegna la figura di un uomo ordinario, piuttosto pigro e vessato dal problema di buscarsi il pane per sé e per i suoi figli (in una lettera raccomanda uno dei suoi figli al duca per un posto di medico).
Per tutta la scorrevole ora di spettacolo, la lettura recitata dell’epistolario è puntellata dal canto (o forse è il contrario): una piacevole rilettura elettronica di capolavori monteverdiani come “Il lamento di Arianna” o il madrigale “Zefiro torna e ‘l bel tempo rimena” interpretati con l’uso di sintetizzatori e con modifiche elettroniche della voce (in un caso la voce di Valentina Gaudini diventa maschile, altre volte ricorda il vocoder di Laurie Anderson ed epigoni).
Nel finale, si riprende in struttura circolare la narrazione della morte di Monteverdi e l’interpretazione del “Lamento della Ninfa” rivisitato da un arrangiamento più audace che comprende anche un accompagnamento di batteria.

Né mai sì dolci baci
da quella bocca avrai,
nè più soavi, ah taci,
taci, che troppo il sai.

Nel mezzo dello spettacolo, prima di un racconto in cui Monteverdi ci dice come è stato derubato durante il viaggio a Venezia (insomma, altri problemi legati al vil denaro) era prevista una proiezione video con un altro intervento canoro, ma per problemi tecnici non è stato possibile assistere a questo intermezzo.
Insomma, se dopo “Monteverdi’s Epistolary – Azione n° 0” ci sarà, come spero, un“Monteverdi’s Epistolary – Azione n° 1” con maggiore spazio alla teatralizzazione della vita (grama) e dell’opera (immensa) di Monteverdi conto di godermi anche la visione di questo spezzone mancato.

Il rischio di essere felici, ma anche un po’ malinconici

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letti sfatti, lumaca

Da ieri mattina risuonano tra le pareti di casa mia le note di “Ogni giorno rischio di essere felice”, l’ultimo cd dei Letti Sfatti, gruppo nato negli ormai lontani anni ’90 in quelle terre a Nord di Napoli che sono anche le mie terre. Oggi i Letti Sfatti sono un duo formato dal chitarrista e multistrumentista Jennà Romano e dal batterista e percussionista a tutto tondo Mirko Del Gaudio. Ma si tratta di un duo aperto agli incontri artistici più svariati e stimolanti (la musica popolare di Patrizio Trampetti, il teatro canzone di Peppe Lanzetta, il pop d’autore di Tricarico, il jazz rock dei Napoli Centrale e di Franco Del Prete, il Neapolitan power dei Tiempo Antico, lo sperimentalismo di Pasquale Di Resta, il virtuosismo suggestivo del compianto Fausto Mesolella, le parole esatte di Erri De Luca…, ma anche felici incursioni nella musica per ottoni, nel teatro e nelle cover d’autore – dalla versione napoletana de “Il Vino” di Piero Ciampi a “Stella di Mare” di Lucio Dalla suonata con un bouzouki greco).

In gran parte avevo già avuto modo di sentire in anteprima la maggior parte dei brani di questo cd prima della masterizzazione finale, e sento confermate tutte le buone impressioni che avevo avuto al primo ascolto.
Dalla sua tana di provincia (uno studio ben attrezzato e ricco di strumentazioni digitali e analogiche e strumenti tradizionali, vintage o reinventati), Jennà Romano mi aveva già preannunciato che questa sarebbe stata solo la prima parte di un progetto artistico concepito in due volumi (l’uscita della seconda parte è prevista per novembre di quest’anno), un progetto in cui si era messo personalmente in gioco senza preoccuparsi delle regole di un mercato musicale sempre più asfittico e raccogliticcio; un progetto di ricerca compositiva ed esecutiva fuori dalle righe e dalle regole, suonato con “strumenti veri”, che in più di un punto rievocano un sound anni ’70-’80 (il tempo in cui i musicisti si chiudevano in uno studio e ricercavano un suono che li contraddistinguesse, senza affidarsi a loop e basi preregistrate); un lavoro lento e impegnativo, ben riassunto dalla lumaca che percorre l’asfalto che campeggia sulla copertina del cd.
La lumaca è un animale saggio che costruisce in solitudine la casa che porta sulle sue spalle; ma ad un certo punto si rende conto che il suo guscio sta raggiungendo la taglia massima in rapporto alle proprie dimensioni e comincia gradualmente a rallentare, fino a che non decide di fermarsi e di dedicarsi esclusivamente alla riparazione di eventuali scalfiture o rotture di quella casa-conchiglia che la protegge dai predatori e dalle insidie dell’ambiente circostante. E come la lumaca, Jennà Romano mi ha raccontato di essersi rinchiuso nel suo guscio/studio/sala di incisione per dare voce allo stato d’animo che stava vivendo a seguito di vicende private e personali che è superfluo raccontare qui nei dettagli, ma che sono in buona parte rappresentate nelle tracce di questo lavoro che lui stesso definisce “emotivo” ed “umorale”.

L’album si apre con una “serranda” che si chiude. Un brano di forte impatto, con un arrangiamento essenziale e ricercato che per un breve intervallo cita anche “Brown Rice” di Don Cherry (vediamo chi scopre in quale punto della canzone viene rievocato l’immaginifico trombettista di Oklahoma…). Su un tappeto di una serrata chitarra ritmica, del sapiente drumming di Mirko Del Gaudio e del sostegno armonico del Rhodes di Filippo Piccirillo, entriamo subito nell’atmosfera del cd con sguardi che sembrano serrande e diventano muri di incomunicabilità.

La seconda traccia si chiama “Acquaragia” e comincia con i toni intimistici di un canto accompagnato da arpeggi di chitarra e qualche effetto d’amosfera, ma poi irrompe un accattivante giro di basso che fa cambiare clima al brano e ne fa un blues riflessivo e contemporaneo: “Ahi, agliagliagliai, / quante cose avrei se fossi meno onesto. / Ahi, agliagliagliai, / Quante cose avrei se fossi meno disonesto.”. Poi un nuovo cambio umorale e il canto si fa di nuovo disteso, quasi lisergico: “Ti do un’idea, avvelenami, / farò finta che sia grappa / questa acquaragia / e poi dammi una sigaretta, / anche se non fumo. / Fammi accendere, / anche se non fumo”.

“Lei balla il mambo” è l’unico brano non inedito dell’album, ma lo ascoltiamo in un bellissimo riarrangiamento che si avvale della riorchestrazione per ottoni del Maestro Domenico Brasiello che aggiunge malinconia e conferisce un certo “Latin tinge” a questa canzone di Jennà Romano che nel 2012 era stata registrata anche da Patrizio Trampetti nell’album “Qui non si muove mai niente”.

“Mi piace” è uno dei brani più intimi (e più belli) dell’album e Jennà se lo suona tutto da solo (voci, chitarre, basso, minimoog), intervallandolo con lunghe pause e sospensioni, fino a quando il canto e la musica si interrompono del tutto e restano là, volutamente sospesi sul verso finale: “Mi piace smettere all’improvviso”.

“L’amore è uguale per tutti” è una struggente canzone dedicata a un amore già finito, destinato a finire o a trascinarsi “per inerzia o per dolcezza”, come tutti, come tutto. Su un tappeto di corde, la batteria di Mirko irrompe in chiave espressionistica su un testo che ha dentro una disperazione travestita da un cinismo che mi fanno pensare a Luigi Tenco, a Bindi, a Brassens, al primo De André e, soprattutto, a Piero Ciampi, che per i Letti Sfatti è una sorta di nume tutelare maledetto e malinconico.

“La gratitudine” è probabilmente la canzone dalla struttura più tradizionale di tutto l’album, ma la sua coda strumentale affidata al sax soprano di Mario Lupoli è splendida e insinuante. Inoltre, il suo ritornello potrebbe farla diventare una sorta di canzone-sigla dei concerti dei Letti Sfatti: “E ringrazio te, che mi sai ascoltare. / E ringrazio te, che mi sai capire, / senza udire le parole, che io non ti so dire.”

“Una strada”, che so essere una sorta di lettera che Jennà ha dedicato al padre recentemente scomparso, è la canzone di “Ogni giorno rischio di essere felice” che mi suona più “vintage”. Per un attimo ho avuto l’impressione di star ascoltando la prima PFM. Anche se poi, come accade spesso nelle tracce di questo album, il brano prende un’altra inaspettata direzione. Come la vita. Un pregio di cui possono fregiarsi pochi brani di musica pop o della cosiddetta canzone d’autore italiana, infettati come sono dal morbo della più assoluta prevedibilità. “La vita è fatta ad angoli / e gira sui suoi spigoli. / Le curve sono ripide / per inseguire te. / È un mondo senza limiti / che accelera nei vicoli, / si ferma in una strada / che non porta più da te…”

Nell’ultima traccia, intitolata “Stelle comete“, Jennà torna a fare tutto da solo. Salvo l’incipit di una sola strofa (6 versi in tutto) il brano è un suggestivo strumentale che chiude malinconicamente e magnificamente il CD. “E chissà se domani / ci sarà più domani / quando dentro i tuoi occhi / avrò perso anche i miei…”.

Daniele Sepe, algo más

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Daniele Sepe, Gato Barbieri

Relativamente a quello che è diventato oggi il mondo del mercato discografico (uno spazietto di nicchia per ascoltatori impenitenti) e considerando che fondamentalmente si tratta di un album di jazz, “The cat with the hat“, l’ultimo lavoro di Daniele Sepe, sta avendo un meritato successo di vendite; ma non si tratta del suo prodotto discografico migliore.
O forse sono io che ero troppo carico di aspettative tenendo in considerazione i grandi musicisti che ci avrebbero suonato (cito solo i tre non-napoletani più celebri: Roberto Gatto, Stefano Bollani e Hamid Drake) e pensando ai riferimenti a Gato Barbieri (cui l’album è dedicato) ed all’annuncio che ci sarebbero state delle reinterpretazioni del mio tango preferito di sempre,”Naranjo en Flor”, e di uno dei brani totem di Charlie Haden, “Song for Che“.

Invece, mi pare di stare di fronte a un bel progetto in bilico tra il jazz di “A Note Spiegate” e le reinterpretazioni della tradizione contenute in “Te lo ricordi Víctor Jara?“, “Vite Perdite“, “Spiritus Mundi” ed in altri capi d’opera dell’eclettico maestro napoletano (quando si parla di lui parlare di eclettismo o di “zappismo” è diventato d’obbligo tra i recensori, e non voglio esimermene nemmeno io); ma il progetto non decolla, pur presentando punte di altissimo livello.

L’apertura del disco con “La Partida” di Víctor Jara è folgorante ed è un segno di quello che avrebbe potuto essere questo disco. Si parte con la tradizione (il charango di Roberto Trenca e la quena di Roberto Lagoa), ma presto irrompe il suono lacerante del sax tenore e sembra davvero di risentire i graffi sinuosi e insinuanti di Gato Barbieri. Davvero bello. Ed è piaciuto anche alla piccola che ripeteva ad ogni irruzione del sassofono: “Mi piace questo risveglio”.
Però poi arriva una versione troppo quadrata e un po’ confusa di “Song for Che” che non sta al passo con quanto avevamo sentito con la Liberation Music Orchestra, con Ornette Coleman o con successive e più raccolte interpretazioni di Charlie Haden (mi verrebbe da dire che il free non si improvvisa).
E si va avanti così, tra vette interpretative (come “Canzone appassiunata“, “Los ejes de mi carreta” e gli incipit di “Nunca más” e “Io non canterò alla luna“) e cadute di tono e di tensione interpretativa e narrativa. In più di un caso, mi pare di stare di fronte a brani che nulla tolgono e poco aggiungono agli originali. Ma io volevo di più, anche perché “l’eclettico” ad altro ci aveva abituato (anche se lui, personalmente, invecchia meravigliosamente e suona sempre meglio; di certo gli hanno giovato le tournée con Bollani e con Gatto ed il confronto a tu per tu sul palco con fiatisti del calibro di Nico Gori).

Ma perché far cantare alla voce esile di Roberto Lagoa un brano che era stato magistralmente interpretato dalla voce potente e irraggiungibile di Roberto “El Polaco” Goyeneche? Io ne avrei fatto uno strumentale. Anche perché la voce graffiata e straziante e i “rubato” del Polacco erano quanto di più vicino si possa immaginare al sax di Gato Barbieri. E io questo mi ero immaginato, e con simili pregiudizi mi sono avvicinato a questo disco che mi sento comunque di consigliarvi vivamente. (Però poi sentitevi pure il resto della discografia di Sepe, “Capitan Capitone” included!)

Alla ricerca dell’antica madre

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ambiente, resistenza

“I folli apriranno strade che poi i prudenti seguiranno.”

Ho appena concluso la lettura di “Cercate l’antica madre” di Miriam Corongiu e Vincenzo Tosti, un libro bello e necessario che racconta una serie di storie intrecciate di donne e uomini che stanno resistendo in tutto il Paese ai disastri ambientali e sociali provocati da un modello di sviluppo predatorio che tutto fagocita e ingloba, “un groviglio inestricabile di decisioni sbagliate in campo ambientale che hanno irrimediabilmente compromesso il patrimonio naturale e, con esso, la vita di tutti noi” (p.33-34). Persone che dalla Val di Susa a Siracusa si sono ritrovate fianco a fianco in una lotta comune che conduce inevitabilmente alla ricerca della virgiliana antica madre, al senso autentico e terreno della realtà, della vita e della giustizia umana. Donne e uomini che hanno trovato la forza di ritrovare nella terra la propria umanità e si sentono accomunati da “una tensione continua verso l’elaborazione di alternative ad un modello di vita insopportabile, nel condurre il quale la distruzione della natura è solo uno degli effetti” (p.136).
Sullo sfondo della realtà locale, tutto un mondo globalizzato basato sugli interessi di pochi.

Mentre leggevo le ultime pagine pasoliniane sulla scomparsa delle lucciole, mi sono risuonate in mente le note di questa canzone che dedico a Miriam e a Enzo.
Una canzone che parla dell’esigenza di resistere riscoprendo la forza collettiva e individuale per combattere contro un sistema incentrato sulla legge del più forte, la legge della libera volpe nel libero pollaio; la lotta di tanti piccoli uomini contro un potere enorme e feroce “preoccupato solo di perpetuare se stesso”.

All’inizio di questo capolavoro del cantautore cubano Silvio Rodríguez c’è questa strofa di Brecht (tratta da “In morte di Lenin”) che sembra parlare proprio dei protagonisti di “Cercate l’antica madre”:

“Ci sono uomini che lottano un giorno e sono buoni,
altri che lottano un anno e sono migliori,
ci sono quelli che lottano molti anni e sono molto buoni,
però ci sono quelli che lottano tutta la vita:
essi sono gli imprescindibili”.

Il resto parla di un sogno popolato da serpenti mostruosi dotati di un apparato digestivo infernale, capace di fagocitare il bene e l’amore. Qualche volta la preda si illude di aver ucciso il serpente avvelenandolo col suo bene, ma poi appare un mostro ancora più grande e spietato; fino a quando il poeta si lascia ingoiare e, nello stomaco della bestia, condensa in un verso una verità che ha il potere di distruggere il serpente e mettere fine all’incubo.

“Antiquam exquirite matrem.”
(Virgilio, “Eneide”, III, 96)

Lavata, tagliata e incellophanata

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alienazione, ambiente, Cocco

Mangi le arance già sbucciate
perché non le sai sbucciare

I tuoi viaggi sono organizzati
perché non ti sai organizzare

L’insalata la compri già lavata
tagliuzzata e condita
perché l’insalata tu
non l’hai mai saputa fare

E ‘o cocco, ‘o cocco,
‘o cocco ‘o vuo’
ma ‘o vuo’
ammunnato e bbuono

I capelli
dal parrucchiere

Barba e baffi
dal barbiere

Le torte e i torti
dal pasticciere

La pasta fatta in casa
a casa di chi la fa per mestiere

E scopare scopare scopare
son cose che fanno gli scopatori
con le cameriere
con le cameriere

Mangi le arance già sbucciate
perché non le sai sbucciare

I tuoi viaggi sono organizzati
perché non ti sai organizzare

L’insalata la compri già lavata
tagliuzzata e condita
perché l’insalata tu
non l’hai mai saputa fare

Ma ‘o cocco, ‘o cocco
‘o cocco
‘o vuo’
ammunnato e bbuono

E il pane
dal panettiere

Le cerimonie
dal cerimoniere

I consigli
dal consigliere

La giustizia
dal giustiziere

Gli ingegni
dall’ingegnere

Le pizzette
dal rosticcerie

Le medicine
mattine e sere

La ragione
dal ragioniere

Con i calci
dentro al sedere

In ascensore
e mai ‘a pere

E ‘o cocco, ‘o cocco,
‘o cocco ‘o vuo’
ma ‘o vuo’
ammunnato e bbuono

ammunbato e bbuono
ammunnato e bbuono

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Appena l’ho scritta ho avuto l’impressione che fosse una specie di canzone. Ho preso la chitarra senza pensarci troppo su e ho improvvisato questa cosa. Dopo un paio di ore ho fatto pure questa sottospecie di video che ora ho l’ardire (ed anche un po’ l’ardore e la mancanza di pudore) di condividere qua.
Ah, la versione cantata si chiama ‘O cocco.

https://youtu.be/ZiRjVnpJqeE

A dream come true (with music and lights)

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manouche, Parente, Pumilia

10 anni fa, anno più anno meno, andammo come in una spedizione esplorativa a vedere un sogno sotterraneo di Mariangela.
Una di quelle cavità pulsanti nel centro di Napoli con cinquecento anni di storia e di storie.
Mariangela sognava di comprarlo quello spazio buio e di illuminarlo con le sue luci; voleva farne un’estensione cavernosa del suo salotto, vagheggiava di animarlo, di valorizzarne ogni antro e recesso senza farsi spaventare da muffe, umidità e polvere di tufo.

Ora quel sogno è diventato realtà.
Il Grottino è un salotto meraviglioso e pieno di malia che Vincenzo e Mariangela hanno saputo rendere accogliente e pieno di suggestioni e di sorprese.

E stasera la magia del posto è stata amplificata dalle note della musica manouche e swingante di due bravi musicisti napoletani, Andrea Parente (chitarra e voce) e Alfredo Pumilia (al violino), che ci hanno deliziato con classici di Django Reinhardt (il re dei chitarristi gypsy), capolavori del jazz come Caravan, All of me e On the Sunny Side of the Street e lo swing all’italiana di due Fred, Buscaglione e Bongusto.
Preciso e convincente l’accompagnamento ritmico-armonico di Parente, sfavillante, ma al momento giusto anche raccolto e intimo, il violino di Pumilia, pieno di invenzioni, glissati, note pizzicate, raddoppi di tempo, improvvisi cambi d’umore e citazioni (da scherzi ludici a frasi di Bach) come ha da essere la musica nomade, gitana e tzigana che muove i suoi passi dalle intuizioni onnivore di Django Reinhardt.
Avvolgenti le esecuzioni di Nuages, di Autumn Leaves e di St.James Infirmary, divertente la versione napoletanizzata di The Sheik of Araby, indimenticabile Minor Swing suonato in una caverna del Grottino dall’acustica perfetta (anche se abbiamo dovuto ascoltarlo piegati e attenti a non battere la testa sotto il soffitto bassissimo).

Grazie di tanti luccichii, tanta seducente penombra e tanti barlumi di luce in mezzo a questo buio che c’è intorno.

20 dita, 4 mani, 88 tasti, due brave musiciste, un gran bel disco

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stefani tallini

Per tutti gli appassionati di musica, un cd veramente unico nel suo genere: PIANO 4HANDS di Stefania Tallini e Cettina Donato.

I numeri dell’album:
– PIANO 4HANDS è un progetto a 4 mani e un solo pianoforte basato sull’esecuzione di 11 brani originali, 6 composti da Stefania e 5 da Cettina Donato.
– In 2 brani si aggiungono 2 ospiti d’eccezione: Gabriele Mirabassi, al clarinetto, e l’attore Ninni Bruschetta che presta la sua voce per un’intensa ed aspra interpretazione della poesia “Amuri Miu” del poeta e teatrante siracusano Antonio Caldarella.

Ma il disco è tanta roba che attraversa trasversalmente la storia del jazz, della musica classica e della musica argentina e brasiliana.

Cito un po’ alla rinfusa alcune delle atmosfere che compongono questo mosaico a quattro mani:
– Lo stile boogie woogie di “Persistency”, e senti subito l’affiatamento di quelle quattro preziose mani che si incrociano sulla tastiera.
– Il meraviglioso tempo di milonga di “Minor Tango”.
– L’intimismo meditativo di “Silent Moon” e “Blues Prayer”.
– Lo splendido interplay tra le due pianiste di “Danza dei Suoni” e “Duotango”.
– La cullante malinconia di “A Veva”,* resa ancora più struggente (se è possibile) dalle linee melodiche suonate magistralmente da Gabriele Mirabassi.
– Lo swing nervoso e trascinante di “Tempus Fugit” e “di Viceversa” (che in un album eponimo del 2013 Stefania Tallini suonava da sola in overdubbing e che ora trova un’efficace e sensibile accompagnamento nelle dita della bravissima Cettina Donato).
– Il dondolio scoppiettante di “Ditty Duo”, uno di quelle composizioni che è impossibile ascoltare senza ciondolare sulla sedia o nel buio di un locale.

E io ciondolo facendo partire di nuovo l’ascolto di PIANO 4HANDS.

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* “A Veva” è una bellissima ninna nanna che accompagna Stefania Tallini fin dall’album “Padsodoble” del 2007, e che in diverse forme ci ha riproposto in “The Illusionist” (del 2010) e in versione cantata (da Guinga) in “Viceversa” (nel 2013).

Zitto

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silenzio

Il mio piccolo ed esile inno al silenzio.
Poco più di un minuto in cui me la canto e me la suono da solo.