I Carmina Rock di Pasquale Vergara

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Carmina, latino

Ormai lo sapete che mi piace condividere i bei momenti di spettacolo e cultura cui, in questi giorni, assisto con avidità accresciuta dall’estenuante lockdown che abbiamo subito nei lunghi e inconclusi mesi di pandemia che portiamo sul groppone.

Ieri è stata la volta dei Carmina Rock di Pasquale Vergara, chitarrista e compositore in arte e professore di latino (in pensione) di professione.
In apertura dell’anno sociale dell’Associazione Ex Allievi del Liceo Durante capitanata dall’ineffabile e infaticabile Teresa Maiello, il prof. Vergara ci ha presentato una gustosa e interessante conferenza-spettacolo incentrata su una decina di frammenti memorabili della letteratura latina, che ha musicato in lingua originale e poi anche tradotto in dialetto napoletano.

Dopo una breve e colta introduzione sulla metrica e sulla prosodia, sulla alternanza di vocali lunghe e brevi nella lingua latina, sull’impossibilità, di fatto, di sapere come gli antichi romani pronunciassero le parole, i versi e gli accenti, il prof ci ha fatto sentire il frutto di un suo annoso lavoro svolto per compiere la missione impossibile di mettere in musica i versi classici cercando di mantenere gli ictus (accenti) della lettura metrica antica.
Un’operazione acrobatica in bilico tra filologia, archeologia musicale, traduzione e creatività artistica.

La serata si è svolta seguendo uno schema preciso e mai tradito.

Per ogni singolo frammento, in  prima istanza abbiamo ascoltato la lettura recitata dell’adattamento in dialetto napoletano interpretata magistralmente dal professor Peppe Mitrano; poi le canzoni cantate da Pasquale sia in latino che in napoletano con l’accompagnamento della sua chitarra acustica.

In apertura, una “Tarantella falecia” basata sui celebri versi del Carme V di Catullo con la loro meravigliosa allitterazione di D e di T:

Da mi basia mille, deinde centum,
dein mille altera, dein secunda centum,
deinde usque altera mille, deinde centum […]

il cui primo verso, in napoletano, suonava così:

Damme mille ‘e ‘sti vase e ancora ciente…

Di seguito una ballad in esametri basata sulla IV Ecloga di Virgilio e la celeberrima “anima vagula blandula” dell’imperatore Adriano. Quest’ultima, in dimetri giambici.

Piccola parentesi pindarica ma non troppo. Come ha ben illustrato il prof.Vergara nella sua prefazione al concerto, da quanto sappiamo e abbiamo a posteriori ricostruito, la poesia classica greca e latina si basava sul ritmo dei “piedi“, che erano una sorta di unità di misura della metrica formata da un gruppo di due o più sillabe brevi e lunghe che costituivano la misura del verso.
Naturalmente, si chiamavano ποῦς in greco e pes in latino proprio perché il ritmo si accompagnava con il battito del piede e cadeva normalmente sulla sillaba forte contraddistinta da un “ictus”, parola che giustamente Pasquale ha definito “terribile” per un orecchio moderno, ma che altro non voleva indicare che la sillaba forte e accentata della battuta (letteralmente ictus vuol dire ‘colpo’, ‘percussione’, ‘accento’).

A partire da questi principi di metrica classica, il prof ha presentato una classificazione dei principali piedi usati nella poesia classica latina mettendoli in parallelo con alcuni ritmi moderni.
Così ha mostrato, a mo’ di esempio, come  possiamo risentire
– il dattilo (– ∪ ∪) nella Via Gluck di Celentano (battere / levare / levare)
– lo spondeo (– –) nella Margherita di Cocciante (battere / levare)
– il giambo (∪ –) in Buonanotte Fiorellino di De Gregori (levare / battere)
– il trocheo (– ∪) nel valzer della Vedova Allegra di Franz Lehár (battere / levare / levare)
– l’anapesto: ∪ ∪ – in un reggae come E la luna bussò, portato al successo da Loredana Bertè (levare / levare / battere).

Ma torniamo alle trasposizioni di Pasquale Vergara ascoltate ieri.

Il quarto brano è stato l’ode che contiene la fortunatissima formula del Carpe Diem oraziano (Carmina, I, 11), il cui verso più celebre è diventato in napoletano:

Campa ‘o mumento, nun penzà a niente, ‘e chello ca ‘a ciorta te po’ astipà…

Di seguito la leziosa Tarentilla di Nevio con la sua vivace descrizione di una giovane tarantina di facili costumi che “comm’a ‘na palluccia zompa a cca’ e allà“, passando d’amante ad amante e d’amore ad amore come una Palummella ante litteram.

Poi è stata la volta di 3 famosissimi incipit in esametri resi con piglio rock da Pasquale. Si tratta dei primi versi
– degli Annales di Ennio
– del De rerum natura di Lucrezio
-Dell’Aeneis (ovvero l’Eneide) di Virgilio.

Per finire, siamo tornati alla poesia romantica e intramontabile di Catullo. Chiudendo un cerchio che era cominciato coi mille e cento baci, abbiamo ascoltato una stupenda e struggente ballad romantica incentrata sul distico elegiaco del Carme 85, probabilmente l’epigramma più noto della latinità composto di un solo esametro seguito da un pentametro:

Odi et amo. Quare id faciam, fortasse requiris.
Nescio, sed fieri sentio et excrucior.

Che, mi piace ricordare, era già stato tradotto in napoletano e messo in rima  dal bolognese Stefano Benni in questi termini:

Odio e amo:
fusse che chiedi
comme faccio?
Nunn ‘o ssaccio
ma lo faccio
e mme sent’ ‘nu straccio!

Mentre Pasquale traduce con maggiore attinenza all’originale, ma senza perdere l’intrinseca poesia dei versi e baciando pure lui le rime:

Odio e ammore, nun addimanna’ comme po’ essere,
Nun ‘o saccio: è accussì, m’o sento e sto a murì.

E con questo struggimento d’amore, passo e chiudo con la speranza che Pasquale possa ripetere la sua conferenza-spettacolo nei licei e magari possa fare anche dei laboratori per far appassionare le nuove generazioni ai versi e ai ritmi del mondo classico.

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P.s. Poi un giorno indagherò su che cosa spinga questi Vergara a cercare di ripensare i ritmi, battere i piedi, computare le sillabe e adattare i versi della latinità classica; considerando anche che mio zio, Giuseppe Vergara, ha dedicato anni e anni della sua vita allo studio della poesia barbara e, dopo aver dato su tale argomento alle stampe due saggi e il volume Guida allo studio della poesia barbara italiana (F.lli Conte Editori, Napoli 1978), ha tradotto tutti e 12 i Libri dell’Eneide in esametri ritmici italiani, secondo una metodologia metrica da lui stesso messa a punto in aperta critica nientedipopodineno che con Giosuè Carducci.

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La limpida Chiarezza

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Chia Ra, De Andrè, Guccini

A meno di un mese dal concerto all’aperto di Chia Ra di cui ho parlato qui, l’ho risentita stasera tra le mura intime e accoglienti del Jazz Cafè. Di nuovo da sola, chitarra e voce.

Il repertorio, l’altra volta tutto dedicato a De Andrè, si è allargato oggi a Guccini.

Chia Ra è assolutamente a suo agio con queste canzoni che riesce a fare sue, scandendone con limpida chiarezza i testi ed esaltandone la vena melodica. Cosa per niente scontata quando si interpretano testi cantautoriali di apparente semplicità canora, ma insidiosi proprio per la facilità con cui possono scivolare nella cantilena soporifera. Lei ci mette la giusta intenzione, pronuncia nitidamente le parole e dosa con misura abbellimenti e melismi.

Di Guccini abbiamo ascoltato, a inizio serata, due convincenti versioni di Piccola Città e di Incontro; poi, dopo il repertorio di De Andrè, le più recenti (ma comunque risalenti allo scorso millennio) Quattro stracci, Autogrill e Lettera.

A mio sentire, il meglio è arrivato con i due bis de La canzone del padre e del Sogno di Maria, che è ormai il cavallo di battaglia di questa giovane, promettente e per certi versi già matura interprete italiana.

La mia speranza è che ora Chia Ra allarghi il suo repertorio ad altre esperienze e magari provi anche ad esplorare il mondo della composizione. È giovane, tempo davanti ne ha in abbondanza. Ed anche talento.

“Siamo noi a far ricca la terra”, quasi una recensione

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Lolli, Rovelli

Il testo di Marco Rovelli dedicato a Claudio Lolli l’ho centellinato. Deliberatamente. Volevo berlo a piccoli sorsi per gustarlo meglio e perché mi accompagnasse per tutta l’estate, come un passito da trincare, giorno per giorno, dopo l’assunzione di altre letture.
D’altro canto, la sua stessa struttura da romanzo biografico corale si prestava a una lettura frammentaria e interrotta.
La storia di una vita da artista dei margini descritta attraverso brevi paragrafi in cui a narrare sono gli amici di Claudio, i parenti, le persone che gli sono state vicine o lo hanno incrociato, ma anche gli oggetti e i feticci che ne hanno segnato l’esistenza. Narrano, parlano e discettano, insomma, compagni di scuola e di lotta, musicisti, coinquilini, amori, colleghi, alunni, ma anche la chitarra della Upim e quella nuova, la mosca degli zingari felici, gli album, le foto, la giacca o i personaggi delle sue canzoni, da Michel ad Anna di Francia e a Keaton.
Ne viene fuori una narrazione sfaccettata e appassionante che consiglio a chiunque si sia sentito in sintonia con le canzoni di Lolli, ma anche a chi lo abbia sentito solo di striscio e volesse approfondire ora il suo percorso artistico ed umano. Consiglio la lettura di questo romanzo anche a chi volesse capire qualcosa di più dei sogni e delle illusioni degli anni settanta ed ottanta, giù giù fino al terzo millennio ed ai nostri giorni.
Pagina dopo pagina si profila il ritratto di un uomo piuttosto lontano dalla maschera triste dell’uomo in crisi disegnata dai produttori della EMI (sua prima etichetta discografica). Un comunista problematico, “rigido nei principi, ma mai dogmatico nella prassi”; un uomo ironico, affamato di vita e non conformista; un professore e un padre autorevole e mai autoritario; un perdente di successo, anche. Claudio Lolli era tante cose.
Poi ci sono gli incontri dello stesso Marco con Claudio e con i suoi familiari narrati con empatia, misura e partecipazione emotiva.

Si delinea tra le righe un gioco di specchi tra i due cantautori, scrittori, poeti e professori. Fino al passaggio di testimone de “La giacca“, l’ultima registrazione della voce cantata di Lolli che chiude l’album “Portami al confine“, il più recente lavoro discografico di Marco Rovelli, con, alla chitarra, Paolo Capodacqua, il musicista e cantautore che ha accompagnato Lolli negli ultimi anni di attività concertistica e che ora accompagna Rovelli nei dischi e dal vivo.

Verso la fine del libro, questo passo che mi sembra molto illuminante e voglio riportarlo integralmente:

Quanto tempo a ragionare di Leopardi, con Claudio che rivendica la malinconia come forma di conoscenza del mondo, il suo primo stadio, perché una volta capito che il mondo non è stato fatto per te, che è un caos illogico e innaturale, allora puoi costruire, e scoprire che il senso della tua esistenza è dare ordine al caos, non attraverso il potere però, ma attraverso l’arte, la narrazione, il racconto. Quanto tempo a parlare del lavoro di Claudio a scuola, di come i ragazzi capiscano benissimo Leopardi, della fiducia che lui ha negli studenti, di quanto lui tenga a questo ruolo, “Ma quale cantautore, io sono un professore!”

Leggendo, mi sono venuti in mente i versi di “Analfabetizzazione”:

Fondere, confondere, rifondere
Infine rifondare
L’alfabeto della vita
Sulle pietre di miele della bellezza

Una sorta di manifesto della poetica di Lolli.
Una poetica che, a mio parere, trovava il suo punto più fulgido proprio in quegli anni, nell’arco temporale che va da “Ho visto anche degli zingari felici” (1976) ad “Extranei” (1980) e, nel bel mezzo, il capolavoro: “Disoccupate le strade dai sogni” (1977).

Poi arriviamo nel pieno dei nostri tempi di nebbia, di confusione e di aria di tempesta.

La musica è finita, sta finendo o sta diventando un’altra cosa?

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futuro, mercato, musica

Il mercato musicale nel terzo millennio – Segue dibattito

Che se ne faranno i musicisti della loro musica ora che i dischi non si vendono e i concerti dal vivo si organizzano con sempre maggiori difficoltà e in tremende ristrettezze economiche?
Stante così le cose, o suonare e cantare diventa una seconda attività o si muore di fame (considerato anche che dai passaggi dei brani sulle piattaforme a pagamento si guadagnano quattro soldi).

La mia impressione è che qui continuiamo a preoccuparci del supporto su cui si conserverà la musica nelle nostre case e tra le nostre cose (vinile, cd, pendrive, cloud, ri-vinile) mentre il mercato musicale da solido sta diventando liquido, gassoso, evanescente. Con tutte le conseguenze del caso per le maestranze, i manager, i maneggioni, i maestri, i mestieranti e i mercanti che gravitano intorno al tempio.

Mi chiedo spesso se ci sia ancora spazio per un ragazzo di oggi per sognare di guadagnare scrivendo canzoni, cantando o suonando in una band, in una posse, in un combo jazz o in un ensamble  sinfonico.
E mi chiedo anche se tra qualche anno ci possa essere ancora qualcuno, da qualche parte, che progetti la produzione di un album da far ascoltare e riascoltare nel tempo, invece di scrivere brani da consumare in rete nell’arco di una stagione, all’insegna di un successo subitaneo, effimero e immediato.

Non ho risposte.
Solo domande.
Ma so per certo che, di questi tempi, se non hai un mecenate o una struttura pubblica che ti sostiene, le possibilità di vivere di musica diventano sempre più ristrette e riservate a poche mega-star (che molto probabilmente saranno seguite più in quanto personaggi o giullari alla corte dell’influencer di turno che per le loro qualità artistiche; e non è escluso che quelli che avranno maggior successo non saranno nemmeno persone in carne, sangue e midollo spinale, ma prodotti creati a tavolino da software sempre più avanzati di artificial intelligence che pescheranno nei successi del passato e creeranno loop da riassemblare per emozionare e accalappiare un pubblico poco educato alla ricezione del nuovo ed all’ascolto attivo).

Stante così le cose, in un futuro non lontano, la musica, per i più, rischia di trasformarsi esclusivamente in un hobby. Come il bricolage o la scrittura di poesie che non legge nessuno.

(Che poi, è chiaro, si può vivere senza musica, senza poesia e senza aver mai visitato un museo o letto un libro. Si può vivere anche senza relazionarsi veramente con qualcuno e senza aver mai amato o bevuto vino.
Ma obiettivamente si vive una chiavica e si finisce per capire poco di se stessi e del mondo che ci gira intorno a ritmo sempre più vorticoso e imprendibile.)

I Tiempo Antico, intimamente

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live

Stasera, nella Villa Comunale di Frattamaggiore, concerto dei Tiempo Antico in versione acustica ristretta (senza basso e batteria), con Giovanni Sorvillo alla chitarra ritmica, alla voce e al sax tenore; Salvatore Acerbo alla chitarra solista e Mario  Lupoli al sax soprano. In vari brani il trio acustico si è avvalso del contributo del percussionista Pasquale Marchese alle tablas.
Il gruppo, nel solco della tradizione musicale sincretica del Neapolitan Power, ha proposto brani tratti dai loro album Cadebè e Mea Culpa.

Il concerto si è aperto con i brani Anima Antica e ‘Na musica sincera.
Poi, con l’aggiunta di Pasquale Marchese, abbiamo ascoltato ‘O Re do Sole (canzone dall’interessante tempo tanguero) e il brano eponimo Mea culpa (che nella versione registrata in studio si avvaleva della collaborazione del compianto Franco Del Prete e di Vittorio Remino).

Di seguito Sorvillo ha imbracciato il tenore e ha sfoggiato il suo potente suono educato alla scuola del Maestro Antonio Balsamo e di James Senese e Larry Nocella, per farci sentire una struggente versione di ‘A Musica, a mio sentire il pezzo più bello della serata, insieme a una convincente e minimale versione del capolavoro di Luis Bonfá Manhã de Carnaval, conosciuto anche sul Real Book del Jazz come Black Orpheus.

In conclusione i brani Sa paciugat (che in romagnolo pare che significhi “Che stai combinando?”) e Giuann’ Battista (marchio di fabbrica di questa band del sempre prolifico hinterland napoletano ).

Tra le Note di una Chiara Fontana

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Chia Ra, FdA

Chia Ra non ha ancora 18 anni, ma la sua pagina artistica su FB (Claire’s Thyme Fair) ha già un suo seguito di ascoltatori attenti e fedeli alla linea. Per quelli che rincorrono i numeri parliamo di 3.617 follower sul Faccialibro e decine e decine di commenti e pollicioni eretti a ogni post cantato.
Di solito accompagna da sola alla chitarra la sua voce delicata, cristallina, precisa e potente, ma su Youtube possiamo ascoltare una sua interpretazione del “Sogno di Maria” con l’accompagnamento alla tastiera di Alberto Fauro che ha ottenuto più di 6.000 meritate visualizzazioni.

Ancora numeri.
Ma quello che è certo è che Chia Ra i numeri per interpretare ballate e canzoni dei cantautori della mia generazione (Guccini, De André, Lolli, ma anche Leonard Cohen) ce li ha tutti. Lo scorso anno ha anche vinto un contest per la miglior cover di Francesco Guccini (non ricordo se interpretava “Piccola Città”, “Incontro” o “Cinque anatre”; le cante tutte magistralmente).

Stasera, nella Villa Comunale di Frattamaggiore, ci ha deliziato con una sua rilettura del repertorio del Fabrizio De Andrè dei primordi (dagli inizi, nei primi anni ’60, a “Storia di un impiegato e di una bomba”, 1973, con un paio di incursioni nel repertorio di “Rimini”, 1978).
Non è facile coverizzare De Andrè (per me, fino ad ora, c’era riuscita a pieno solo Elena Ledda, la cui interpretazione di “Tre madri”, in lingua sarda, reputo superiore all’originale).

Il concerto si è aperto con “Marcia Nuziale”, seguito da “Avventura a Durango” e “Sally” (i due brani del ’78 di cui parlavo prima).
Poi è arrivata una struggente interpretazione di due delle più belle e pure canzoni d’amore del repertorio di FdA: “Per i tuoi larghi occhi” (in cui Chia Ra ha dato il meglio di sé) e “La canzone dell’amore perduto”.

Di seguito due capolavori dalla “Buona Novella” (1970): “Il sogno di Maria” e “Il Testamento di Tito” e un bell’accostamento di due canzoni di atmosfera medievale ma di opposto tono: “Nell’acqua della chiara fontana” (traduzione di “Dans l’eau de la claire fontaine” di Georges Brassens) e  “Carlo Martello” (brano ironico e graffiante scritto con Paolo Villaggio e ripreso anche dal gruppo argentino Les Luthiers; se volete saperne di più della geo-storia di questo canzone, ne parlo qui, pallosamente aitanblog.wordpress.com/2006/08/31/293/).

Infine, due canzoni difficili e per nulla scontate da “Storia di un impiegato”: “La canzone del padre” e “Nella mia di libertà” (la cui strofa “diventare così coglioni / da non riuscire più a capire / che non ci sono poteri buoni” avrò citato centinaia di volte e trovo sempre di stretta e tragica attualità).

Un repertorio non scontato e ben bilanciato quello scelto da Chia Ra.
Il che denota una sensibilità fuori dal comune che la porta a interpretare queste canzoni con una intensità e una capacità di scavo che le fanno valorizzare ogni singola parola.
E a volte le parole sono schiaffi.
Io queste canzoni le ascoltavo all’età che ha ora Chi Ra. Lei le reinterpreta e le fa sue con sorprendente sensibilità e non comuni capacità vocali (la sua voce sta più o meno un’ottava sopra gli originali di FdA, un po’ come quando Joan Baez rifaceva la “Canzone di Marinella”, si parva licet componere magnis). Si capisce che ha studiato e scandagliato ogni singolo passaggio delle canzoni che canta per mettere la sua musicalità e la sua capacità interpretativa a disposizione dei brani e farci arrivare le emozioni che le hanno provocate: dall’ironia di Carlo Martello alla denuncia della

[…] nostra ultima canzone
che vi ripete un’altra volta
per quanto voi vi crediate assolti
siete per sempre coinvolti
per quanto voi vi crediate assolti
siete per sempre coinvolti

(E be’, io mi sono sentito molto coinvolto, anche se credo che l’età mi sta spostando giorno per giorno dall’altro lato della barricata. Ma questo col bel concerto di Chia Ra credo che c’entri poco.)

Ahi, Salvatore, SalvatoRino, Gaetano

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coccodrillo, Rino Gaetano

Chi ha fatto la guerra,
Chi prende il sessanta
Chi arriva agli ottanta,
Chi muore al lavoro

Chi vuole la ruspa
Chi vuole la raspa
Chi annaspa
Chi arresta
E chi fa la cresta…

Mi fa piacere questa gaetanite che s’è diffusa tutta d’un tratto per la rete.
Credo di averlo un po’ snobbato anch’io, in vita, Rino Gaetano. Ma sotto sotto e sopra sopra mi piaceva, mi piaceva assai.

Quando avevo 12 o 13 anni, lo vidi in tivvù e ne rimasi folgorato.

– Ma chiste chi è?

Il giorno dopo, corsi dal mio spacciatore di musicasette tarocche, presi “Nuntereggae più” e la consumai,  bypassando i diritti d’autore come chi oggi scarica canzoni dalla rete.
E nun se fa’!

Eia alalà
pci psi
dc dc
pci psi pli pri
dc dc dc dc
Cazzaniga
avvocato Agnelli Umberto Agnelli
Susanna Agnelli Monti Pirelli
dribbla Causio che passa a Tardelli
Musella Antognoni Zaccarelli
Gianni Brera
Bearzot
Monzon Panatta Rivera D’Ambrosio
Lauda Thoeni
Maurizio Costanzo
Mike Bongiorno
[…]
onorevole eccellenza cavaliere senatore
nobildonna eminenza monsignore
vossia cherie mon amour
NUN TE REGGAE PIÙ

Dannazione, quante anime dannate!
Oggi, però, questo inferno dantesco de noiantri andrebbe aggiornato:

Salvini, Renzi, Berlusconi,
Allevi, Grillo e la Meloni…

Va be’, lista lunghissima…

Ma a parte tutto, a parte questo averne le scatole pienissime di quello che passa e passava il governo mediatico, credo di aver sentito certi ritmi in levare prima da Rino Gaetano e dalla Berté che da Bob Marley, i Wailers e Peter Tosh. Nun-te-reggae-più, E la luna bussò e poi, qualche anno, dopo la Nisida è un’isola e nessuno lo sa di Edoardo Bennato…
Spaghetti reggae!
Tutta roba di alto livello da riscoprire col senno di poi.

Ma torniamo a Gaetano.
Torniamo al Rino tanto omaggiato dai coccodrilli a distanza cui, con qualche giorno di sfasamento, faccio il coro.

Di lui apprezzavo, e apprezzo ancora, la capacità di dire cose pesanti e profonde con una leggerezza che oggi definiremmo calviniana.
Mi piaceva l’atteggiamento strampalato, stralunato e strafatto con cui si proponeva a un pubblico abituato a ben altro modo di calcare le scene.

Gaetano era fuori. Fuori dal mainstream, fuori dal coro.
Gaetano era “fuori di testa, ma diverso da loro”.
Gaetano era fuori come un balcone calabrese trapiantato a Roma.
Gaetano era fuori come un barcone controcorrente alla deriva sulle acque del Tevere.

Gaetano si schiantò contro un camion come Buscaglione.
A trent’anni e tanto ancora da raccontare e graffiare.

Salvatore Gaetano detto Rino  era uno di quei tipo fuori dal mondo che ci aiutano a comprenderlo meglio, il mondo.

Ma la notte,
la festa è finita,
evviva la vita…
La gente si sveste,
comincia un mondo
Un mondo diverso,
ma fatto di sesso,
vivrai, vedrai…

E mo, sentite un po’, sentite un po’ qua questo pezzo che metto in chiusura e dedico agli amministratori locali del luogo in cui vivo e di altri lochi, sempre più cementificati e disastrati.

Ma dopo vai dal confessore
E ti fai esorcizzare
Spendi per opere assistenziali
Per sciagure nazionali
E ti guadagni l’aldilà
E puoi morire in odore di santità
Fabbricando case

Il mio caimano nero piangendo mi confidò
Che non approvava il progetto del metrò
Ahi Gaetano chi mi manca sei tu

E intanto Berta filava, filava e fila ancora.

‘O Sud se crede sfaccimmo e invece e’ fesso

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letti sfatti, sud, trampetti

Nel giorno in cui nei social riecheggia la benvenuta vittoria internazionale dei Måneskin realizzata suonando dal vivo strumenti veri (vivaddio!) e seguita dall’innesco di tutta una sequela di polemiche sulla presunta mancanza di originalità della loro proposta pop-rock, trovo finalmente un po’ di tempo per parlarvi dell’ultimo cd di Patrizio Trampetti; un disco vero, di un artista autentico, realizzato con lentezza e attenzione sotto la produzione e la collaborazione artistica di Jennà Romano, che, peraltro, è anche coautore di quasi tutti i brani dell’album.

Il CD si intitola ‘O SUD È FESSO ed è un disco dalle diverse facce che ben rappresentano la versatilità e le variegate esperienze artistiche di Patrizio Trampetti, che, ricordiamolo, è stato tra i fondatori e le voci caratterizzanti della formazione storica della Nuova Compagnia di Canto Popolare, oltre che attore teatrale e autore di celebri brani interpretati da Edoardo ed Eugenio Bennato, Francesco Baccini, Gilberto Gil, Tullio De Piscopo, Tony Esposito, Irio De Paula e Peppe Barra (“Un giorno credi”, “Feste di Piazza”, “Portugal”, “Donna contemporanea”… sono alcuni dei suoi capi d’opera). In più, dopo aver lasciato la NCCP, ha prodotto cinque o sei album da solista e, dal 2009, collabora con Jennà Romano e Mirko del Gaudio dei Letti Sfatti insieme con i quali ha già realizzato, prima di questo nuovo lavoro, due dischi ed un libro accompagnato da un DVD scritto a sei mani con Erri De Luca e Jennà (“Questa città“, Edizioni Testepiene).

Ma veniamo a questa nuova produzione.
Il disco si apre con un brano recitato da Gianfelice Imparato e Angelica Ippolito e cantato da Patrizio. È una canzone dedicata al Vomero, un quartiere napoletano poco praticato dal nostro canzoniere, ma molto interessato dalla speculazione edilizia e dal traffico veicolare.

Segue la canzone che dà il titolo al disco. Un pezzo di impatto immediato che abbiamo ammirato anche in un video diretto da Lorenzo Cammisa.
Mi sono subito ritrovato nell’amore odio per Napoli e per il Sud che pervadono le prime due tracce.
“Non mi piace più questa città, veramente non mi è mai piaciuta, e tanto non mi piace che a volte… mi piace tanto… per un niente.”
Perché il sud si crede di essere furbo, si sente “sfaccimmo”, e invece è fesso, “se magna pane e pane e chitemmuorte / e nun cagna manco ‘nnanze ‘a morte”, si fa manipolare dai suoi nemici esterni ed interni e si accontenta di qualche sporadica elargizione del potente di turno; quattro caramelle che non lo fanno crescere per rendersi autonomo, responsabile e indipendente.
A me sembra il manifesto di una Napoli che prende coscienza del servilismo e del provincialismo che l’hanno tenuta legata ai suoi difetti offuscandone i pregi e le inesauribili possibilità di riscatto e cambiamento.
Un inno necessario al Meridione che potrebbe essere e non è mai stato.

Il brano seguente, “L’ora da controra”, è il brano più in linea con la tradizione musicale popolare nostrana, ma ha anche a che fare con le rivisitazioni elettriche delle notti tarantolate e con certi influssi orientaleggianti della world music internazionale. Non a caso ospita all’organetto Ambrogio Sparagna, uno dei massimi rappresentanti della tradizione etnomusicologica italiana. È un brano gustoso e ammaliante, arricchito anche dal sax soprano di Mario Lupoli; una canzone d’amore e acrobazia intervallata da uno scioglilingua declamato a tutta velocità da Jennà Romano (una filastrocca che gli aveva insegnato un suo zio grumese, mi ha detto). 

“Canzone ‘e niente” è un bel brano in cui Filippo Piccirillo al Rodhes, Jennà alla chitarra elettrica e Mirko Del Gaudio alla batteria creano un bel sound sospeso tra le ballad elettriche di Pino Daniele e il night del miglior Peppino Di Capri o di un… George Benson. Molto bella la pasta vocale utilizzata da Patrizio, per quanto nel solco della tradizione di tante canzoni che negano se stesse e il loro valore, gli sentiamo cantare nel ritornello “sta canzone ‘e niente ca’ nun saccio canta’…”.

“’O mare” è una delle tracce più intense e commoventi del disco.
Oltre a Jennà, a Mirko e al sassofonista Giovanni Sorvillo, accompagnano Patrizio  le voci di tre giovani ospiti del centro di riabilitazione psichiatrica che fa capo alla cooperativa Spartaco.
Sapevo da tempo di questo laboratorio musicale e poetico che Patrizio e i Letti Sfatti stavano tenendo con gli ospiti di questo e di altri centri del napoletano e del casertano. A luglio del 2018, nel corso della Terza edizione del Mediterraneo Reading Festival, mi ero anche emozionato dopo che avevo ascoltato Marco Junior Dentale recitare la poesia che è diventata il fulcro del testo di questo brano.
E ora sentire questi versi trasformati in una canzone così bella e compiuta mi ha riempito di commozione e di gioia.
Al di là di tante chiacchiere che si fanno su riabilitazione, emarginazione e inclusione.

“Ammore” è il brano che suggella il reincontro sullo stesso palco di due capisaldi della formazione storica della Nuova Compagnia di Canto Popolare: Patrizio Trampetti e Fausta Vetere; una reunion, che era cominciata qui a Frattamaggiore nel 2019, quando era ancora vivo Corrado Sfogli, chitarrista della Nuova Compagnia, marito di Fausta e negli anni ’60 alunno del maestro Caliendo insieme con Patrizio.
Al di là di queste note malinconiche, “Ammore” è la canzone più allegra dell’album, un brano latineggiante in cui, nella coda,  le trombe e i tromboni del maestro Domenico Brasiello, se chiudi gli occhi, ti fanno sentire e vedere la presenza di un gruppo “mariachi” con tanto di baffoni e sombreri messicani che suonano nella tua stanza.

“Chiove” è una struggente canzone d’amore e malinconia scritta dal mio amico Filippo Piccirillo che accompagna anche al piano la voce di Patrizio e le incursioni insinuanti del sax tenore di Giovanni Sorvillo.
“Ohi ne’, me ne so’ jute eppure penso a ‘tte.”

“Senza passione” ed “E’ tarde” sono due belle e moderne canzoni d’amore, malinconia e insoddisfazione. Nella prima delle due ascoltiamo un bell’assolo di Piccirillo al Farfisa, un altro degli strumenti vintage che caratterizzano il sound di questo album.
La seconda è un cammeo con un prezioso accompagnamento acustico di Gian Piero Bencivenga alla chitarra classica e Roberto Marangio al contrabbasso.

L’album si conclude degnamente con “Lacreme”, un brano cantato da Patrizio e letto dalla voce profonda del giornalista Sandro Ruotolo (che negli ultimi anni ha spesso collaborato con Jennà Romano in recital di denuncia e canzoni).
Circolarmente il disco si apre e si chiude con un riuscito intreccio di canto e recitazione.
Qui Ruotolo legge due passi tratti da alcune lettere dei condannati a morte della Resistenza, mentre Trampetti canta “lacreme ‘nterra ‘a rena” su un accompagnamento che parte con note minimali di chitarra e diamonica e diventa bandistico.
“‘Nu saluto a Tonino, / fallo crescere bbuone, / e n’abbraccio pe’ ‘tte, / ca si mamma e si sposa”.
Poche note tristi e solitarie di diamonica e torna un silenzio raccolto nella stanza.

__________

L’album è ancora acquistabile nelle edicole dei giornali fino al 20 giugno e, secondo me, dovete correre a prenotarlo (peraltro, costa solo 5 euro e 90).

Fernando “Pino” Solanas – Un coccodrillo ritardato

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argentina, tango

Ho saputo solo ora che il covid si è portato via, ben 6 mesi fa, una delle personalità artistiche che ho più ammirato nella mia vita.
È morto a Parigi, a novembre del 2020, Fernando Ezequiel Solanas, detto Pino.
Era nato a Buenos Aires nel 1936 ed è stato un grande regista, sceneggiatore e autore di canzoni, oltre che un instancabile attivista politico impegnato nella difesa degli ultimi e in lotta contro il liberismo, la corruzione, le privatizzazioni selvagge e i potentati di ogni origine e provenienza.

Sapevo che negli ultimi anni era tornato a Parigi come ambasciatore argentino dell’Unesco, dopo esserci vissuto in esilio tra il ’76 e l’83; ma non sapevo che a Parigi fosse anche morto.
Ripercorrendo all’indietro il calendario, mi rendo conto che mi ero fatto mandare dalla Francia la sua filmografia completa in DVD giusto qualche mese prima che lui finisse allettato in un ospedale francese.

Subito mi sono tornati in mente i miei vent’anni e lo stordimento e l’esaltazione che provammo io e i miei compagni uscendo dal cinema Astra di Napoli dove vedemmo Tangos, el Exilio de Gardel, il primo film di una trilogia che si sarebbe chiusa con El Viaje nel 1992 (e, in mezzo, il bellissimo Sur dell’88). Tre film in cui si alternano realtà, sogno, satira e tanta musica ed hanno un prolungamento ideale in La Nube, diffuso nelle sale nel 1998.

Solanas, da allora, per me è un mito; sfuggente, contraddittorio e difficile da raccontare e da mettere a fuoco come tutti i miti.

Era un uomo pieno di sfumature e interessi, Solanas. Il suo primo cinema fu un cinema di guerrilla, girato clandestinamente e clandestinamente rappresentato in tanti Paesi dell’America Latina oppressi da dittature e democrature.

Nel ’68 girò con Octavio Getono “La hora de los hornos” un documentario di 4 ore e mezzo presentato per la prima volta a Pesaro e poi proiettato (contro legge) dai sindacati e dai gruppi di base argentini per favorire la riflessione, il dibattito e la mobilitazione contro la dittatura.

Da allora, la sua filmografia è sempre stata inquadrata nella categoria del cinema di impegno; ma sarebbe riduttivo ricondurre tutta la sua arte nei confini di queste coordinate.
Il suo era un cinema che incideva sulle emozioni e agiva profondamente sulle coscienze, aiutando a riflettere sulla condizione umana e sui rapporti di forza locali e globali.

Lo dico sulla mia pelle.
I suoi film mi hanno fortemente aiutato ad ampliare la mia esperienza ed hanno arricchito la mia visione del mondo, oltre al fatto che hanno contribuito ad acuire la mia nostalgia per un’Argentina in cui non ho mai messo piede. In questo senso, sì, il suo era  un cinema profondamente politico. Un cinema capace di rendere gli spettatori più liberi, autonomi e consapevoli, ed anche un po’ più argentini e rioplatensi.
(Senza aver visto i suoi film – e senza aver letto Borges, Cortázar, Puig, Gelman, Benedetti e Galeano – non mi sarebbe mai venuto in mente di mettere in scena, più di quindici anni fa, uno spettacolo come Alma tanguera, in cui il tango lo parlavo senza accennare ad alcun passo di danza.)

Mutatis mutandis, direi che Tangos, El Exilio de Gardel e Sur sono stati per il tango quello che Carosello Napoletano e Passione hanno rappresentato per la canzone napoletana, o quello che tanti film di Carlos Saura, come Bodas de Sangre e Carmen Story, hanno significato per la diffusione e la mitizzazione del flamenco.

Ma per me, dal punto di vista narrativo ed emotivo e per la capacità di fondere la musica nel narrato, l’opera di Solanas era una spanna più su. I film della trilogia avevano un sostrato culturale e un sapiente dosaggio della dinamica musicale che li rendevano unici nella loro capacità di bilanciare le intensità e le gradazioni delle emozioni e mettere insieme i fili della storia argentina tra dittatura, esilio ed esperienze avanzate di partecipazione politica e culturale.

Poi, l’uomo Solanas si era anche messo in gioco nella politica attiva, ma questo è un altro e tangente discorso.

Nel ’91, dopo aver aspramente criticato il Presidente Menem, fu gambizzato. La narrazione epica della vita di Pino Solanas segna da quel momento l’inizio della sua militanza nell’ambito della democrazia rappresentativa: dal 1993 al 2019 fu eletto tre volte deputato e una volta senatore. Nel 2007 fu anche candidato alla presidenza della Repubblica Argentina con un programma elettorale incentrato sul rispetto per l’ambiente, sulla nazionalizzazione dei giacimenti argentini e sul reinvestimento delle risorse minerarie per evitare ogni forma di privatizzazione dei servizi pubblici e ridistribuire le ricchezze del Paese.
Un grande sogno che riassumeva nella formula “Proyecto Sur“.

Ora, ormai, restano solo in noi i suoi sogni.

Quanto a me, oltre ai suoi film, conservo i suoi dischi che inneggiano a Violencia y liberación e quelli delle colonne sonore in cui si mettono insieme Gardel, Piazzolla, Néstor Marconi, Goyeneche, Egberto Gismonti e Fito Páez (oltre a canzoni scritte dal lui medesimo). Politica e romanticismo, riflessioni metacimetografiche, teatro e azione, esilio, solitudine, sete di giustizia.

https://youtu.be/sW4ZIx6fceA

E poi conservo come una reliquia tutta spiegazzata anche  la locandina del film che me lo fece conoscere in quel lontano e vicinissimo 1985 (locandina che ho stirato, fotografato e “restaurato” per illustrare questo post).

Ma soprattutto conservo il ricordo delle emozioni e dei discorsi debordanti di ammirazione che seguivano la visione di ognuno dei suoi film e documentari.

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In appendice, aggiungo qualche link per chi volesse approfondire la conoscenza di Pino Solanas senza muovere il culo dalla sedia:

– Le quattro ore del cine-documentario clandestino d’esordio La hora de los hornos (1968)

– La versione italiana completa di Tangos, l’esilio di Gardel

– E poi, la versione originale in lingua spagnola di Sur (1988)

– Tante sue canzoni da lui composte e tratte dalla sua tanguedia che vi invito a cercarvi in rete da soli, come “Hijos del exilio“, “Solo“, “Milonga del Tartamudo” e “Vuelvo al Sur“, quest’ultima scritta a quattro mani con Astor Piazzolla e interpretata dall’immenso Roberto Goyeneche e poi ripresa da cantanti e musicisti del calibro di Mercedes Sosa, Caetano Veloso, i Gotan Project, Teresa Salgueiro, Richard Galliano, Javier Girotto e Peppe Servillo (magari cercatevi pure le versioni in italiano di Eugenio Bennato e di Fiorella Mannoia).

Un brano del repertorio di Solanas, però, c’è lo voglio far sentire già qua. È una delle più belle canzoni sulla solitudine e sull’esilio ed ha un testo struggente dal quale ho rubato a piene mani decine e decine di volte.

– E, infine, la versione completa del documentario Memorias del saqueo

di cui ho parlato anch’io nel 2006 in questo post, col quale chiudo, per il momento, la mia rievocazione, il mio coccodrillo ritardato, il mio sentito llanto por Fernando Ezequiel Pino Solanas:

https://aitanblog.wordpress.com/2006/07/03/282/

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Il tuo stile, il tuo cuore

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(Interludio di poche parole)

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