La Catalogna tra democrazia, tolleranza, utilitarismo, indipentismo e sovranismo
Per la seconda volta in una decina di giorni, ieri, nell’hotel che ci ospita a Blanes, nel pieno della Catalogna indipendentista, uno spettacolo di danza flamenca. Come se fossimo in Andalusia, nel profondo sud della penisola.
Il popolo catalano è un popolo tollerante, democratico e civile, ma è anche un popolo concreto, capace di sfruttare i propri talenti e quelli altrui per farne mercato; un popolo pronto a vendersi tutto il vendibile per aumentare il proprio benessere materiale; fino agli estremi della gentrificazione che hanno trasformato interi quartieri popolari di Barcellona in zone spersonalizzate, piene di migranti e turisti, con conseguente aumento del prezzo degli affitti, degli immobili e dei beni di prima necessità. Lucía Lijtmaer, nel romanzo che sto leggendo in questi giorni di mare e rilassamento, osserva che già una ventina di anni fa Barcellona si stava trasformando in una grande Lloret de Mar…
“In due anni qui si è riempito di guiris [turisti stranieri] come se fosse Lloret, dice qualcuno, ed è vero, il centro è como la Lloret della mia infanzia, lo stesso odore di cipolla fritta e waffle riscaldato, lo stesso mare di pelli bruciate, la stessa sensazione di nausea e stordimento per la quantità di gente e sole, combinati, gente e sole, gente in scatole di latta, sole in scatola, la latta che ti brucia la pelle quando cerchi di sederti sul cofano di una macchina vicino alla spiaggia e tua madre ti diceva: togliti di lì, non vedi che ti stai per scottare, togliti di lì, ti dice ora il tuo istinto e non tua madre, ogni volta che scendi dalla ronda di Sant Pere.” [Lucía Lijtmaer, “Cauterio“, 2022, p.81. La traduzione è mia.]
Ma torniamo allo show Flamenco e alla capacità dei catalani di sfruttare a più non posso tutti i luoghi comuni del turismo iberico per farne una redditizia fonte di guadagno.
In Catalogna hanno abolito la corrida ed hanno trasformato l’Arena di Barcellona in un mega-centro-commerciale, eppure continuano a vendere tori di plastica a orde di turisti in cerca di sapori autentici e prodotti tipici e topici. In Catalogna si sentono altri dal resto della Spagna, ma poi, a ben vedere, è tutto un proliferare di ventagli, banderillas, chitarre, nacchere, paellas valencianas, sangría e gazpacho andaluso. A Barcellona e nel resto della comunità autonoma, hanno in spregio i “charnegos” (gli spagnoli che vivono in Catalogna, ma non sono figli di catalani), ma hanno catalanizzato Picasso, un genio di Malaga (Andalusia) vissuto per la maggior parte della sua vita in Francia.
Il finto tablao flamenco di ieri, che ho solo sentito da lontano perché la bambina non è voluta scendere e ha preferito tenere a sottofondo delle sue letture, è parte di questo sfruttamento mercantile dell’idea di Spagna sedimentata nelle teste degli stranieri che da due o tre secoli cercano la Carmen in ogni angolo o anfratto della penisola iberica (allo stesso modo in cui i gondolieri veneti cantano “‘O sole mio” e “Simme ‘e Napule, paisà” ai turisti tedeschi e giapponesi che questo vogliono sentire, per avere la sensazione di trovarsi in acque italiane e vivere le emozioni del popolo degli spaghetti, della pizza, delle tarentelle, delle mafie, dei Sorrentino, dei pulcinella e della camorra di Gomorra).
D’altronde, la relazione della Catalogna col flamenco viene da lontano. Già alla fine dell’800 proliferavano a Barcellona spettacoli di danza gitana in café chantant che spesso, non a caso, avevano nomi che si richiamavano alla realtà andalusa, come Café Sevillano, Café Concierto Sevilla e Café Concierto Triana. Tuttavia, è innegabile che, col tempo, si formò una vera e propria tradizione flamenca catalana. Carmen Amaya, una delle più grandi e innovative danzatrici di flamenco del secolo scorso, era una gitana nata a Barcellona nel 1913.
Questo attiene, insomma, anche alla capacità dei popoli mediterranei di assimilare culture estranee e lasciarsi contaminare dall’altro. La cucina catalana è un’ulteriore riprova di questa tendenza ad aprirsi a gusti, a prodotti e a sapori provenienti da mondi vicini e lontani.
Insomma, niente di male, per carità. Un po’ di flamenco, anche incelofanato, non fa male a nessuno. Anzi. A me piacciono pure i Gypsy King, gitani andalusi residenti in Francia che hanno inventato una versione pop e commerciale della rumba flamenca. Questa è una musica nomade, che probabilmente ha mosso i primi passi nella lontana India e poi si è andata mischiando con i suoni di mezzo mondo già prima di approdare tra Cordova, Siviglia e Granada. E da quel momento il processo di contaminazione e commercializzazione non è mai finito.*
Sento solo qualche nota stridente tra questa musica senza frontiere e la Catalogna autonomista, indipendentista, sovranista e (vivaddio) pure, sempre e comunque, antifa e antifascista.
Ma la Spagna e il mondo intero si nutrono di queste contraddizioni. E io pure, che sono del Mediterraneo e sento che questi e solo questi sono i tre colori della mia bandiera (insieme col giallo del sole, il verde degli ulivi e il rosso del sangue e della lava vulcanica).
“Mi contraddico“, “contengo moltitudini“. (W.W.)
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Se volete saperne di più del nomadismo del flamenco, leggete qua.
Da ascoltare a voce bassa, bassissima, quasi inesistente.
Era da tanto che non prendevo in mano una chitarra. E si sente! Un paio di giorni fa l’ho fatto e mi è venuta fuori una melodia un po’ malinconica e un po’ sghemba. Una cosa semplice. Ci ho improvvisato subito sopra un testo e, per non dimenticarmene, ho registrato la mia “esecuzione” del povero brano col telefonino. Eccola qui. (Solo per stomaci forti.)
Rivedo solo te, immantinente
Non contento, ho provato a cantare su quella stessa melodia un mio sonetto scespiriano, con qualche leggero adattamento per rispettare il ritmo e la metrica della musichetta. È tutto qua, se c’è la fate a sentire ancora.
Persone felici (desiderio in forma di canzone)
Aggiungo il testo e gli accordi, nel caso qualcuno volesse provare a farne una versione meno indecente. Io, comunque, quello che vorrei, è vedere persone felici, ma finisco inevitabilmente per ammorbarvi per qualche lunghissimo minuto. Mannaggia!
G———————C———-Em—–Em vorrei vedere persone felici ——G——————C————-Em—–Em che vanno avanti a piedi o in bici Em———– F————————–Em tra le campagne oppure in città Em————-F—————–Em senza pensare alla felicità
Em—————–F——————Em ma solamente esser vivi vivendo Em————–F———————–Em come fa il mare o come fa il vento Em———-F———————-Em che spiri forte o che spiri lento Em———-F———————–Em——-Em spira spirando ed esiste esistendo
Em—————Am6 perché se la pensi Gm6———————Em la contentezza si spezza Em—————Am6 perché se la senti Gm6——————–Em come un filo si spezza
Em—-F e tu resti —————————Em con i due capi in mano Em———F solo disperso ————————-Em e da te stesso lontano
Em—————-F come il mio piede ——————Em dal tuo deretano Em———–F e katmandù —————————Em da casoria o da arzano Em———–F e katmandù ————————–Em da crispano o caivano Em———–F come stai tu ————————Em da me stesso lontano lontano lontano
Em——Am6———Gm6—-Em e solamente esser vivi vivendo Em———–Am6——–Gm6Em come fa il mare fa o come fa il vento Em———-F———————-Em che spiri forte o che spiri lento Em———-F————————-Em spira spirando ed esiste esistendo Em———-F——Em-Am7-Em spira spirando e resiste… e resiste…. e resiste
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N.B. Pubblico questi due video, anche se Stefania, giustamente, mi ha detto e ripetuto che sono incredibilmente “cringe”. Magari provate a toglierlo proprio l’audio e seguite solo i testi. Suppongo che sia quella la parte migliore di entrambi i brani. Il resto viene dalla noia ed alla noia ritorna.
Carmine, Carmelo, Carmela, Carmen, Melania e derivati. Questo nome è il più diffuso della mia famiglia da nonni a nipoti. E lo portano anche tanti miei amici e conoscenti. Un nome sacro e profano che ricorda un monte, la poesia, il carme, la madonna e la più avvenente delle gitane andaluse.
Il rebus (ormai “sgamatissimo”) è mio, l’illustrazione una litografia di Marc Chagall del 1966 per una rappresentazione del capolavoro di Bizet che ci ha insegnato che l’amour est un oiseau rebelle.
Ma ascoltiamola l’habanera della Carmen, in una versione della divina Maria Callas.
Senza ombra di dubbio, si tratta di una delle più celebri arie del repertorio lirico. Bizet la compose ispirandosi ampiamente a “El Arreglito“, un brano del compositore basco Sebastián de Yradier (1809-1865), noto anche come autore de “La Paloma“, un’altra habanera spagnola di influenza cubana.
(Pare che all’inizio Bizet pensasse che si trattasse di un motivo di tradizione popolare, ma poi, quando si rese conto di aver saccheggiato una habanera d’autore, riconobbe i diritti di Yradier. Nel senso che aggiunse il nome del musicista spagnolo sui margini superiori dello spartito; non credo che nel XIX secolo si mettesse mano alla tasca, in casi simili.)
Ma, oltre alla musica – trascinante -, l’habanera consiste anche di un testo di grande e romantica modernità che Bizet scrisse in collaborazione con i librettisti Henri Meilhac e Ludovic Halévy. Ne riporto qui una mia traduzione (piuttosto libera) che prova a restituire la forza dirompente dei versi originali. Leggetela e lasciatevi scuotere.
L’amore è un passero ribelle e nessuno lo potrà mai domare Inutile continuare a invocarlo Quando decide di andarsene non c’è minaccia o preghiera che lo smuova Uno parla parla l’altro tace ed è l’altro che io preferisco Non ha detto niente ma mi piace L’amore L’amore L’amore L’amore
L’amore è uno tzigano ignaro di ogni legge Se tu non mi ami io ti amo se io ti amo stai attento a te Sta attento a te se mi ami
L’uccello che credevi di rinchiudere batte le sue ali e vola via L’amore è lontano e tu sei là che aspetti Non l’aspetti più e lui è là Tutto intorno a te veloce veloce viene se ne va e poi ritorna Se credi di tenerlo lui ti evita Se credi di evitarlo lui ti tiene L’amore L’amore L’amore L’amore
L’amore è uno tzigano ignaro di ogni legge Se tu non mi ami io ti amo se io ti amo stai attento a te Sta attento a te se mi ami
E con questo iperromantico teorema amoroso, vi lascio, rinnovando i miei auguri a tutte e a tutti i portatori di questo nome carmico.
Come ogni anno, faccio un resoconto a caldo per ricordare a me stesso, a chi c’era e a chi non c’era gli eventi che abbiamo presentato al Mediterraneo Reading Festival (MRF), giunto ormai alla sua sesta edizione. Il Festival di musiche e parole di Frattamaggiore è nato nel 2016 nello spirito della commistione dei generi e dell’abbattimento di ogni steccato fisico e mentale e con l’intento dichiarato di intensificare, ampliare, amplificare ed allargare l’orizzonte culturale della nostra bistrattata provincia a Nord di Napoli.
Il primo evento di quest’anno era intitolato While my guitar… – La chitarra nella canzoned’autore e vedeva sul palco quattro eccezionali musicisti che, oltre ad avere una loro personale carriera solistica, hanno accompagnato artisti del calibro di Pino Daniele, Gino Paoli, Enzo Gragnaniello, Lucio Dalla, Edoardo Bennato, Eduardo De Crescenzo e Tricarico… Un piatto prelibato per la mia generazione cresciuta a pane e cantautori.
[Piccola parentesi storica. Idealmente, un cantautore era uno che si scriveva le canzoni da solo e poi le eseguiva chitarra e voce, per lo più strimpellando semplici accordi di prima posizione senza mai andare oltre i primi tre o quattro tasti dello strumento. Il modello, per molti, era Bob Dylan, che riusciva a ricreare un mondo con tre o quattro accordi a canzone. Poi le cose, per fortuna, si sono un po’ complicate. Gli arrangiamenti si sono arricchiti. Gli stessi cantautori hanno sentito l’esigenza di ampliare il raggio delle loro conoscenze musicali ed aprirsi a nuove esperienze (col tempo, qui in Italia, sono venuti fuori anche cantautori-chitarristi, come Lucio Battisti, Pino Daniele, Ivan Graziani e Alex Britti). La chitarra, in ogni modo, è rimasta una protagonista nella canzone d’autore, grazie anche a valenti musicisti che hanno accompagnato la voce dei cantautori con accordi, arpeggi e assoli ispirati a una sterminata letteratura chitarristica che spazia dal mondo classico, al blues, al rock, al jazz, al folklore, al flamenco ed alla musica brasiliana.]
I quattro chitarristi ospitati dall’MRF costituiscono una valida rappresentanza del rilievo e della duttilità dello strumento nella storia recente del cantautorato nostrano.
Gianni Guarracino
Il primo a imbracciare la sua chitarra davanti al pubblico del festival è stato Gianni Guarracino; musicista nato artisticamente in quel brodo di coltura che fu il Neapolitan Power, suonando con Jenny e con Alan Sorrenti, con Pino Daniele, con Franco Del Prete, con James Senese, con i Città Frontale (nati da una costola degli Osanna) e poi, più tardi, anche con Gino Paoli, Mango, Mia Martini, Enzo Gragnaniello ed Edoardo De Crescenzo (ma ne dimentico di certo qualcuno)… La sua cifra caratteristica è un’impostazione classica su cui si innesta una forte influenza della musica flamenca che ha finito per contagiare anche molti degli artisti con cui Guarracino ha suonato dagli anni ‘80 ad oggi. Da questo brodo di coltura ispaneggiante, sono nate canzoni come “‘Appecundria” di Pino Daniele (brano del 1980 ispirato al Paco de Lucia di “Entre dos aguas”), “Jetteco maluso” di Enzo Gragnaniello (contenuto nell’album “Salita Trinità degli Spagnoli” del 1985) e le canzoni dell’album di Eduardo De Crescenzo intitolato con terminologia tipicamente flamenca “Cante Jondo” (1991), un lavoro, questo, in buona parte scritto proprio da Guarracino a quattro mani con il nostro genius loci Franco Del Prete.
Sul palco dell’MFR Guarracino ha eseguito tre brani di sua composizione suonando da seduto (qualche giorno fa è caduto dalla bicicletta e risentiva ancora di qualche sofferenza che, a suo dire, non gli avrebbe consentito di dare il meglio di sé; ma noi non ce ne siamo accorti). Di seguito, lo ha raggiunto sul palco Jennà Romano ed hanno eseguito insieme una bella versione a due chitarre di “Ha tutte le carte in regola”, brano di Piero Ciampi che Guarracino aveva già suonato con Gino Paoli in un album del 1980 dedicato al cantautore livornese e Jennà Romano aveva ripreso nell’album dei Letti Sfatti del 2012 “…E se il mondo somigliasse a Piero Ciampi” (galeotto Franco Del Prete che aveva avvicinato Jennà al mondo di Ciampi e aveva suonato con Guarracino nel disco di Paoli).
Ricky Portera e Jennà Romano
A questo punto, Gianni Guarracino ha passato il testimone a Jennà Romano che, oltre a essere un chitarrista versatile, è anche compositore di canzoni interpretate sia dal suo gruppo, i Letti Sfatti, che dai gruppi di Franco Del Prete e da altri artisti come Patrizio Trampetti, Peppe Lanzetta, Arisa, Dalla, De Gregori e Tricarico. Dopo aver ricordato Fausto Mesolella, con cui ha più volte duettato, JR ha eseguito tre brani di sua composizione: “La fiamma di una candela”, “Dietro quella porta” e “Me pare ammore”, una canzone scritta originariamente per l’album di Antonella Maisto, “Di Terra”. Nel corso della sessione di Romano abbiamo ascoltato la sua tipica modalità di accompagnare la voce con una chitarra arricchita da una vasta gamma di timbri e voci ottenuti con un sapiente uso della pedaliera.
Giuseppe Scarpato
Di seguito, si è avvicendato sul palco Giuseppe Scarpato, conosciuto soprattutto come chitarrista di Edoardo Bennato (che lo ha ingaggiato dopo averlo più volte ascoltato e riascoltato in un trio dedicato alle colonne sonore dei primi film di Quentin Tarantino). La sessione di Scarpato è stata energica ed emozionante. E’ cominciata con un’originale interpretazione di “Signor Censore” di Edoardo Bennato, suonata con un aggressivo piglio blues arricchito da interventi di JR, ed è proseguita con due convincenti rivisitazioni di “Streets of Philadelphia” di Bruce Springsteen (canzone da Oscar nel 1994) e “Jealous Guy” di John Lennon (dall’album “Imagine” del 1971).
Scarpato, Portera e Romano
Last but not least, è arrivato Ricky Portera, mitico chitarrista di Lucio Dalla e degli Stadio, poco propenso a parlare e raccontare – magari anche per non tradire il personaggio rock che è -, ma sempre disposto a lasciarsi andare alle corde della sua chitarra elettrica.
Ed è per questo che a te la gente tutto ti perdona Perché dicono: “Guarda come suona la chitarra Quel grande figlio di puttana”. (Dal brano di Dalla a lui dedicato e cantato agli inizi degli anni ‘80 dagli Stadio e poi ripreso in DallAmeriCaruso nel 1986).
Portera, dopo aver accennato due brani del repertorio degli Stadio, ci ha deliziato con un suo prezioso arrangiamento del classico di Dalla “Come è profondo il mare”. E non fa nulla che non ricordava tutte le parole… Poi lo ha raggiunto sul palco Scarpato ed hanno interpretato una magica versione di “Mad World”, brano dei Tears For Fears portato al successo da Gary Jules (dopo che la sua cover è stata utilizzata nella colonna sonora di “Donnie Darko”).
Ma attenzione, l’intensa serata frattese delle chitarre non è finita qua. I quattro musicisti si sono riuniti sul palco per suonare insieme senza rete (posso documentare che avevano provato pochissimo pochi minuti prima dell’inizio dello spettacolo). Ci hanno deliziato con “Appecundria” di Pino Daniele; “Stella di mare” di Dalla (con JR al bouzouki), “Grande figlio di puttana”, sempre di Dalla e, grand finale, “Feste di Piazza” cantata da Patrizio Trampetti, che di quella canzone è coautore insieme con Edoardo Bennato.
Il giorno 9 è stato dedicato a Totò e Pasolini che abbiamo fatto rincontrare idealmente sul palco del Centro Sociale “Pezzullo” di Via Lupoli, qui a Frattamaggiore. Si è cominciato con “Totò Poetry Culture”, interessante progetto del poeta-performer Gianni Valentino e del musicista-producer Lello Tramma incentrato su una rielaborazione della produzione poetica del Principe sotto forma di composizioni di musica elettronica. Senza soluzione di continuità, si sono susseguiti brani come “Che me manca”, “’A cchiù sincera”, “Voglio bene ê femmene”, “’A ‘nnammurata mia” e “Malafemmena”. Poi ad un certo punto, Gianni Valentino ha anche declamato ritmicamente un testo in cui Pasolini parla di Totò, della sua cultura piccolo-borghese e dei suoi sogni aristocratici innestati su un’origine sottoproletaria. Apprendiamo che Pier Paolo Pasolini era intrigato e inquietato dalle capacità inventive di Totò, dalla sua bontà da “napoletano buono, realistico, vero” e dalla maschera disarticolata che impersonava (che in qualche modo GV rievoca sul palco facendo cenno a passi di danza che riportano ai movimenti marionettistici di Totò). Sul finale, alcuni versi inediti di Valentino dedicati alla moglie di Totò, che lui chiamava con il vezzeggiativo “Mizuzzina”. Il tutto su un tappeto di musica elettronica intessuto da Lello Tramma che alterna le manopole a momenti in cui suona la chitarra e la ciaramella in un mix di analogico e digitale.
Nella seconda parte della serata, c’è stato un reading di poesie di Pasolini intervallato da sue canzoni e da canzoni a lui dedicate. Si è partiti con due classici del repertorio pasoliniano interpretati da Silvana Silvestri con l’accompagnamento di Filippo Piccirillo: “Cosa sono le nuvole?” (realizzata nel 1968 da Pasolini e Modugno) e “Cristo al Mandrione” (il brano di Pasolini scritto in romanesco con Piero PIccioni e dedicato a una delle borgate più degradate della Roma degli anni ‘50). Bravissimi e convincenti sia Silvana che Filippo.
Dopo le due canzoni, Mimmo Giuliano ha letto “La Solitudine” ed io “Supplica a mia madre”. A seguire una bella interpretazione di “Una storia sbagliata”, brano di Fabrizio De André e Massimo Bubola dedicato alla morte di PPP, e una mia lettura di “Alla mia nazione”, la famosa invettiva di Pasolini che è diventata un manifesto contro l’omologazione e il conformismo del neo-capitalismo italiota. Dopo che Filippo Piccirillo ha interpretato il “Preludio 20 in Do minore” di Chopin (utilizzato da PPP come colonna sonora del film “Salò o le 120 giornate di Sodoma”), l’attrice MonnaPina Vergara ci ha regalato una sua intensa e personale interpretazione di “Marylin”, struggente poesia tratta dal film di montaggio di Pasolini “La rabbia – I parte” (1963). Fuori programma, sono tornati sul palco Lello Tramma e Gianni Valentino accompagnati da Jennà Romano per interpretare una lettura straniata e contemporanea di “Non è Amore”.
[…] E poi quando adolescente nella nazione conobbi altro che non fosse la gioia del vivere infantile – in una patria provinciale, ma per me assoluta, eroica – fu l’anarchia. […]
L’ultima serata della VI edizione del MRF è stata riempita (è il caso di dirlo) da un intimo ed emozionante concerto di Bungaro accompagnato dal bravissimo percussionista Marco Pacassoni, il quale oltre a suonare il vibrafono (che domina magistralmente) ha suonato anche un piccolo xilofono, un glockenspiel, le tablas, una cabasa e una kalimba. Lui, Tony Bungaro, era alla chitarra, che domina con sicurezza e un certo riferimento alle sonorità della bossa nova e del tropicalismo brasiliano. D’altronde, che siamo di fronte a un artista di buoni ascolti e buone letture si rende chiaro fin dalla prima strofa di “Più veloce degli altri”, canzone con cui ha aperto il concerto sottolineando che gli “piace Sakamoto / e i libri sconosciuti / e tutti quei silenzi / gridati e poi vissuti”. Più avanti, in “Zen”, citerà Caetano Veloso, Domenico Modugno, Elvis Costello e i Talking Heads e, con “Apri le braccia”, ci farà ascoltare una versione italiana di “Once In A Lifetime” di David Byrne e Brian Eno (da “Stop making sense”, 1984). Insomma, è evidente che Tony Bungaro si è ben formato prima di mettere fuori la sua produzione, che comprende brani interpretati anche da altri artisti (e soprattutto artiste) con cui ha collaborato, come Patrizia Laquidara (della quale abbiamo ascoltato il brano “Agisce” intessuto con rime e assonanze fluide e insinuanti); Giusy Ferreri (“Il mare immenso”), Ornella Vanoni (“Imparare ad amarsi”) e Fiorella Mannoia (“Io non ho paura”). Preziosa la rilettura della poesia di Gianni Rodari “Il cielo è di tutti” cantata su disco con la Mannoia e interpretata in concerto con Marco Pacassoni che fa uscire dal suo vibrafono un delizioso effetto carillon.
Spiegatemi voi dunque, in prosa od in versetti, perché il cielo è uno solo e la terra è tutta a pezzetti.
Durante il concerto, Bungaro e Marco Pacassoni cercano (e trovano) anche un’interazione col pubblico tra schiocchi di dita, battiti di mano, momenti di “call and response” (ovvero botta e risposta) e ammiccamenti al repertorio immortale del tango all’italiana che esplorano in un gustoso medley di “Violino tzigano” (in cui Marco suona anche la diamonica), “Tango delle capinere” e “Agata”. Seguono quattro preziose canzoni del ricco repertorio di Tony Bungaro: “L’amore che serve”, “Le previsioni della mia felicità”, “Ti tau” e “Guardastelle”. Infine, un bel bis con “Perfetti sconosciuti” e una esilarante versione di “La donna riccia” (del grande Modugno) in cui Marco Pacassoni offre il meglio della sua capacità solistica e improvvisativa.
Si conclude così, con il pubblico contento e ben nutrito, questa tre giorni di musica, reading, canzoni e poesia diffuse in un bel chiostro della sterminata provincia a Nord di Napoli. Grazie al Presidente dell’associazione MRF Quirino Ganzerli, al direttore artistico Jennà Romano, al socio fondatore ed ex presidente Mimmo Giuliano ed all’Amministrazione comunale di Frattamaggiore che comincia a credere in noi. E grazie ancora a Gennaro Cimmino che ci ha regalato il palco e alla CRG di Carmine Guerriero per il service. Senza di loro, non ci sarebbe stato spettacolo.
I 15 secondi di musica che accompagnano questa mia clip li ho rubati ai DakhaBrakha, un gruppo musicale di avanguardia nato all’interno del Dakh, Centro teatrale d’Arte Contemporanea di Kiev.
Come vorrei che i DB potessero continuare a sperimentare il loro ethno-caos che pesca nel folclore ucraino con l’aggiunta di sonorità contemporanee e innesti della musica africana, bulgara e ungherese.
Una colomba con i colori di un eclectus, di un’ara o di un pavone.
Una colomba che resiste ingabbiata, ma deve tornare a volare.
L’immagine è una frettolosa rivisitazione di una celebre cartolina realizzata da Joan Mirò nel 1937 per raccogliere fondi per il fronte popolare, ai tempi della sanguinaria guerra civile spagnola.
La musica di sottofondo è un mio campionamento della tromba di Tom Harrel tratto dalla versione di “Silence” contenuta nell’album di Charlie Haden, “The Montreal Tapes: Liberation Music Orchestra” (1989).
I dubbi sono tutti miei e mi paralizzano la coscienza, anche se continuo a scrivere e a cazzeggiare con i segni e con i suoni. Perché non so fare altro.
Bellissimo momento di riconciliazione con la musica dal vivo, ieri, al Moro di Cava dei Tirreni con lo Stefano Di Battista Quartet che presentava un progetto meraviglioso e trascinante dedicato alla musica del Maestro Ennio Morricone.
Per colpa di una sigaretta inserita tra il panino e la musica, mi sono perso le primissime note della serata. Ma è stato facilissimo entrare a fare parte della magia del concerto, che si è aperto con un tris di brani meno noti del repertorio morriconiano (Che cosa avete fatto a Solange?, Peur sur la Ville e La cosa buffa) e un’interpretazione di Veruschka che mi è parsa una delle cose più jazz mainstream della magnifica serata (al contralto, Di Battista riecheggia spesso Charlie Parker, ma un Parker del XXI secolo che ha ascoltato Coltrane e i suoi epigoni di ieri e di oggi). Di seguito, dopo aver affabilmente accolto il pubblico sottolineando, giustamente, la bellezza di tornare a suonare tra la gente e… ritrovarsi, Stefano Di Battista ha eseguito una struggente e quasi filologica interpretazione di Deborah’s Theme (dal capolavoro di Sergio Leone, “C’era una volta in America“). Il brano è stato interpretato al sax soprano quasi “spartito alla mano”. A volte le note originali sono così belle che anche per un abile e sperimentato jazzista sembra un sacrilegio cambiarle e imbastirci troppe variazioni. O forse ti rendi conto che la musica arriva alla tua anima e al pubblico già così come è e non senti la necessità di lavorarci troppo (a parte qualche arpeggio virtuosistico sugli accordi originali del brano).
A seguire una gustosissima, graffiante e personale interpretazione di “Metti una sera a cena“, sostanziata di note distese su un ritmo serratissimo in cui Sorrentino e Del Prete hanno messo fuori uno swing, che faceva muovere la testa, il culo e i piedi di tutto il pubblico.
E qui mi permetto una parentesi sul trio che accompagna Di Battista in tante serate di Morricone Stories portate in giro per l’Europa ed il mondo. Tre straordinari musicisti campani: – Andrea Rea al piano, from Pomigliano d’Arco (la patria del jazz campano) – Daniele Sorrentino al contrabbasso, from Naples – Luigi Del Prete alla batteria, from Frattamaggiore (la cittadina in cui sono nato e vivo anch’io).
Una parentesi nella parentesi. Luigi lo conosco e lo apprezzo da quando aveva poco più di 18 anni.
Un talento della batteria, un figlio d’arte che mostra una scioltezza allo strumento che non finisce mai di sorprendermi e che vedo crescere e arricchirsi di sfumature e mestiere. Uno che su quei piatti ci mette veramente l’anima e la voglia di comunicare le sue emozioni. D’altra parte, Frattamaggiore, la mia terra, dai fratelli Pierino e Gegé Munari ai non-parenti Franco e Luigi Del Prete, è una terra che vibra al ritmo delle pelli e dei piatti della batteria da quasi un secolo.
Per di più Luigi, con Daniele ed Andrea, costruisce un perfetto interplay nato dalla sintonia umana e professionale, ma anche dall’aver molto suonato insieme. E questo pure si avverte e si sente.
Chiudo tutte le parentesi che ho aperto e torno al concerto di ieri: ai sinuosi grappoli di note di Di Battista, al pianismo immaginifico di Rea e alla sontuosa sezione ritmica Sorrentino / Del Prete che ci hanno deliziato con una bella esecuzione di L’apertura della caccia (da “Novecento” di Bertolucci), con un avvolgente intro pianistico e un sapiente accompagnamento ai piatti in cui Luigi alternava le bacchette alle spazzole (che, giustamente, hanno un ruolo preponderante in questo concerto).
Subito dopo, uno dei momenti più belli della serata, una versione (molto jazzata, ma anche molto fedele agli accordi e all’armonia dello spartito originale morriconiano) de La donna della domenica. Un brano inquietante e sghembo che ha il fascino Misterioso ed Epistrofico di certe composizioni di Thelonious Monk.
A seguire, da fine intrattenitore capace anche dei giusti tempi comici per infarcire la narrazione di aneddoti e di battute, Di Battista ha introdotto Flora, un brano scritto per lui dal medesimo Ennio Morricone. Ha raccontato che si conobbero in una situazione conviviale in cui il Maestro lo prese in simpatia (anche per le sue origini borgatare e la professione di cuoca della madre, pare) e decise di improvvisare per lui la scrittura di questo bel brano che eseguirono subito dopo, insieme, a prima vista. Il buon Stefano ha scherzato sul fatto che aveva cercato di barare eseguendo lo spartito all’ottava inferiore per evitare le impervie note altissime del sax soprano. Ma era stato subito sgamato dal Maestro. Va be’, facile per lui scherzare su queste cose, visto che come sopranista, soprattutto sul registro alto, è uno dei più precisi musicisti che io abbia mai ascoltato dal vivo o su disco. E il brano è molto bello, una melodia che si sviluppa su un delicato accompagnamento ritmico (sviluppato soprattutto sui piatti) e che ha preso il nome dalla figlia undicenne di Stefano Di Battista e Nicky Nicolai.
L’ultimo brano (prima del bis) non poteva che essere il tema de Il Buono, il Brutto e il Cattivo, che offre il destro al quartetto italiano di Stefano di mostrare tutta la sua perizia tecnica e la voglia di suonare ed emozionare sulle note risapute e sempre trascinanti degli spaghetti western di Ennio Morricone. Note che piacciono tanto anche a rocker del calibro dei Metallica e dei Prodigy ed a jazzisti di tutto il mondo, dal grande John Zorn al nostrano Enrico Pierannunzi (entrambi hanno dedicato, come Di Battista, interi album al maestro romano e universale che ha sempre dichiarato di non essere particolarmente incline al jazz, ma che era molto pratico nell’arte dell’improvvisazione. Ma questa rischia di essere un’altra parentesi troppo lunga…).
In ogni modo, durante l’esecuzione, Stefano, avendo saputo che due spettatori celebravano il compleanno (nello stesso giorno di Fabrizio de Andrè, Yoko Ono e Milos Forman), da fine improvvisatore e esperto intrattenitore quale è, ha insinuato qualche battuta di Happy Birthday tra le note del tema del Buono, il Brutto e il Cattivo (d’altro canto il gusto e l’estro jazzistico della citazione sono venuti fuori anche in altri momenti in cui mi è parso di sentire tra una battuta e l’altra note o armonie della Garota deIpanema o del repertorio parkeriano).
Grandi e meritati applausi e, poi, bis con un Giù la testa (il mio preferito tra i capolavori di Morricone) suonato con l’accompagnamento corale del pubblico. Per concludere, un’insinuante, commovente e liquida versione di Gabriel’s Oboe impeccabilmente eseguita al sax soprano mi ha accompagnato fino a casa da Cava Dei Tirreni a Frattamaggiore, ebbro di musica e di gioia di viverla insieme e senza maschere, mascherine e mascherate.
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