Sotto l’egida dell’Associazione ex Alunni Liceo Durante e del gruppo Libri e Libracci, MonnaPina Vergara e io abbiamo realizzato questo video a partire da 4 haiku, due nostri e due di Maria Antonietta Floris Ruiu e Anna Umbriano.
Le Rondini di Magritte Emozioni digitali, rantoli e sospiri
Tre giorni fa ho mandato questa anteprima di un mio lacerto musicale sul Faccialibro di Zuckerberg & Co.
Ha avuto più gradimenti di quanto mi aspettassi.
Mo faccio un’anema e curaggio e posto il brano nella sua interezza, correndo a occhi chiusi e fari spenti nella notte il rischio che il trailer risulti migliore del film (e comunque sempre di un ipercorto si tratta: mi sto imponendo la regola di non sorpassare il minuto, per non approfittare della benevolenza e dell’attenzione degli amici ascoltatori e dei passanti occasionali).
Eccolo qua.
È una canzone, ma non la canto…
Si intitola Tutto e’ fernuto e si basa su una musichetta che mi frulla in testa da almeno 30 anni e che è così semplice e popolare che potrebbe averla scritta chiunque. Perfino io.
Mo mi aspetto vostre critiche, proposte migliorative e perfino qualcuno che me la canti in presenza o a distanza seguendo il testo a mo’ di karaoke.
io DO una cosa al mio RE e lui MI FA diventare SOLe LA luna, così stanno le cose SI’ e se io DO una rosa al RE lui Mi FA in un momento SOLo LA luna sentire e un SIBilo d’amore che mi trafigge lo stomaco e il cuoRE…
Cercasi qualcuna/o di buona volontà che la reciti cantando rispettando l’altezza delle note evidenziate in lettera maiuscola.
La seconda parte può essere cantata nella stessa ottava della prima, ma sarebbe preferibile eseguirla nell’ottava superiore.
I puntini sospensivi finali devono intendersi come un punto coronato.
Tre CD e un libro che ho comprato poco prima che cominciasse questa specie di ibernazione e che mi stanno facendo buona compagnia.
Il libro è una biografia scorrevole e ben documentata di Tom Zé, l’ultimo tropicalista. L’ha scritta Pietro Scaramuzzo e, per me, è soprattutto un’occasione per andarmi a riascoltare vecchie cose e per scoprirne di sempre-nuove di questo incendiario e irripetibile sperimentatore brasiliano.
“Sheik tee Zappa“ di Stefano Bollani mi mancava, volevo prenderlo da tempo, e ho fatto proprio bene. 6 brani su 9 sono composizioni di Frank Zappa, ma il disco è di Bollani e suona a meraviglia. Quello il nostro pianista jazz internazionale ha il dono di far diventare facili le cose difficili e impreziosire anche quelle banali. E tutto scorre sempre che è una bellezza!
“Le Nuove avventure di Capitan Capitone” è il terzo capitolo delle storie corsare di Daniele Sepe. Non delude e piace anche alla piccola; “Cazzimao (Pesciolini e Pesci a brodo)” l’avremo sentita già una ventina di volte. A ‘mme mi fa allattare soprattutto la parte centrale dell’album, dove si ascoltano in fortunata sequenza il bluesaccio di “Chesta è ‘a vita mia” (cantato da nonno Mario Insegna insieme con Sabba Lamptelli ed Emilia Zamuner), “Se tu sei il mio vero amore” (versione italiana di un brano di Vitorino, cantautore portoghese che se non conoscete, conoscetelo!), “Lapo e Gonzalo” (esilarante duetto di Aldo Chivalà e Maurizio Capone) e “‘O Guardio” (uno pseudo-trap che ci ricorda che non si può morire a 15 anni; a prescindere!). Ma sono godibilissime e ci fanno abballare a me e a Stefania pure “Zingari” (featuring Carmine D’Aniello e Marcello Coleman), “Core e Pappavalle” (strumentale a tempo di bossa a la maniera di Pietro Umiliani e Piero Piccioni) e il “Romeo & Giulietta” rappato da Shaone. Chiude l’album “Dino pesciolino fino” un duetto di Stefano Bollani (n’ata vota) con Valentina Cenni. Un bel regalino di Stefano all’amico Daniele e a noi altri.
Di “Uneven“, l’ultimo album di Stefania Tallini, avevo già detto appena era arrivato il CD.
Aggiungo solo che migliora ad ogni ascolto.
Era il 29 febbraio e nessuno pensava che le nostre vite sarebbero cambiate tanto. Ma la moseca continua, anche se gli show sono quasi tutti fermi e io sono preoccupato anche per i tanti che di questo campano.
Il virus ci tiene chiusi in casa. Perdiamo i contatti con gli altri. Ci manca l’aria. Il nostro sguardo è sempre fisso su uno schermo. Vaghiamo da una stanza all’altra e ci circondano sempre le stesse cose.
Cerco una soluzione.
Propongo un flashmob. Un altro. Ma veramente inedito. #Striptease_sul_balcone di tutti quelli che sono o si sentono belli. E noialtri restiamo a guardare.
Con @Francisco Goya…@Édouard Manet…@René Magritte…@Pierre-Albert Marquet…@Carl Holsøe…e @Gerrit van Honthorst!
Partecipate e diffondete. Riempiamo la rete e i balconi di bellezza!
#Noistiamoacasa ma #vediamogente#facciamocose!
Da oggi comincia il countdown in attesa della primavera con il primo videoclip della serie ed il lancio sui social.
“Il lanciatore di donne” è un libro da sentire e un album da leggere, un’opera in cui nove canzoni accompagnano nove racconti e possono essere fruite prima, durante o dopo la lettura.
Detto in termini pratici, siamo di fronte a una raccolta di narrazioni che hanno in appendice dei codici QR che, inquadrati con uno smartphone (o con qualunque altra diavoleria elettronica collegata a internet), permettono di ascoltare o di scaricare delle canzoni composte prima della stesura dei relativi racconti.
Un progetto molto attinente con lo specifico artistico di Jennà Romano che ha sempre sostenuto l’esigenza di un’arte priva di barriere e di etichette, capace di percorrere le “più disparate e disperate espressioni” della creatività.
Nel loro insieme, i nove racconti sembrano dei frammenti di un Bildungsroman, capitoli sparsi di un romanzo di formazione di un cantante, musicista e autore di canzoni nato nell’area Nord della grande città metropolitana di Napoli, tra Grumo e Casandrino; un “provinciano universal” che ha collaborato con artisti locali come Tony Esposito, Franco Del Prete, James Senese, Patrizio Trampetti, Fausto Mesolella, Peppe Lanzetta e Daniele Sanzone e che ha incrociato la sua attività artistica con mostri sacri di altre… province, come Dalla e De Gregori, o di altri ambiti artistici e comunicativi, come Erri De Luca e Sandro Ruotolo.
I racconti hanno vita autonoma rispetto alle canzoni che li hanno ispirati, ma, nella maggior parte dei casi, canzoni e racconti si illuminano a vicenda di nuova luce e aggiungono nuove sfumature alla nostra percezione.
Una vena di malinconia e un senso perenne di perdita li tiene insieme. Storie e testi pervasi di disincanto, disperazione, nostalgia e mancanze. Quello di Jennà Romano è un mondo, il nostro mondo, in cui mancano ideologie, costumi, odori e abitudini del tempo andato; manca un senso di comunità capace di tenere insieme le generazioni; manca la manualità degli artigiani e dei musicisti e, soprattutto mancano, le persone che hanno dato senso alla nostra vita: nonni, madri, padri andati via troppo presto; amori che diventano serrande, che diventano muri…
Nell’Abitudine a veder morire, in un ordito borgesiano, la voce narrante di un adulto si incontra con la sua infanzia… “Osservavo stupefatto ciò che di più caro non avevo ormai: mio nonno, la mamma, me bambino.”
Col tempo, sai, tutto se ne va. E cominciamo a mancare anche a noi stessi.
Ma restano i suoni e i sapori dei primi anni: l’odore intenso di acquaragia; il ritmo dei martelli battuti sul ferro rovente nella costruzione di carri e carretti; le canzoni che hanno accompagnato la nostra vita (su tutte, quelle di Piero Ciampi, Lucio Dalla e Jeff Beck), “l’odore di fagioli freschi messi a bollire dalla mattina, mischiato al profumo del caffè”, la campanella della merceria di famiglia che “tintinnava una nota ripetuta una, due, tre, quattro volte, a seconda del grado di fretta del cliente e del suo stato d’animo”; squilli di telefono che preannunciano tragedie di esistenze ordinarie; silenzi e chiacchiericci nei corridoi degli ospedali…
Non glielo ho mai detto, ma credo che oltre al senso disperato della vita del suo amato Piero Ciampi, ci sia qualcosa di pasoliniano nello sguardo retrospettivo di Jennà. Il vuoto della scomparsa delle lucciole. Lo sguardo retrospettivo di chi ha perso la madre troppo presto ed è morto a 10 anni.
“Il calendario appeso al muro regalato dalla Farmacia del popolo era sempre inclinato da un lato per la corrente d’aria che faceva sbattere la porta d’ingresso quasi per dispetto e lo costringeva a una vita obliqua. Era sulla pagina di settembre, settembre 1980, quando quel battente smise di picchiare contro lo stipite e rimase chiuso per sempre.”
E poi ci sono le canzoni dei Letti Sfatti, il gruppo che Jennà condivide con Mirko Del Gaudio, percussionista di grande estro e perizia ritmica. Alcuni brani vengono da loro album precedenti, altri sono primizie assolute (“Il lanciatore di donne”, che dà il titolo a tutta l’operazione, e la bellissima e struggente “L’abitudine a veder morire”, un reggae melodico puntellato dalla voce di una speaker della CNN che annuncia morti e sopravvissuti di un’imbarcazione di migranti sulle coste della Sicilia, mentre noi guardiamo la TV e mangiamo). Sono la colonna sonora e la fonte di nove storie, nove scene e decine di spaccati di provincia in cui si trascinano esistenze di uomini vinti, ma ancora capaci di sogni, di desideri, di ossessioni e di musica.
Io sono quello Che è morto vivo a dieci anni Che ha visto solo la musica così da lontano E si è fatto prendere la mano
Sono le cose che guardo la sera Che mi fanno capire che il mio stomaco è vivo È vivo anche se vivo male. È vivo per me
“Let your soul stand cool and composed before a million universes.”
“Fa che la tua anima se ne stia cool e tranquilla anche al cospetto di un milione di universi.”
(Walt Whitman)
23 Novembre 2019.
Stefania, quasi otto anni, arriva tenendo alto in mano il suo quadernino delle cose creative come fosse un trofeo e mi dice che ha scritto una canzone.
Me la recita cantando e, subito, di getto, mi dice di prendere la chitarra e accompagnarla mentre lei si registra in video (neanche il tempo di cercami gli accordi).
Il brano è “Cool“.
Seguono a distanza di un paio di ore altre 5 o 6 mini-registrazioni con ospiti speciali, tutti coinvolti senza aver prima ascoltato il brano.
Il risultato è qua, suonato, registrato, e montato alla men peggio, ma molto… cool, secondo me. E non manca un’intensa parentesi di trap radicale, piuttosto contundente nei contenuti, ma ugualmente very cool (se sei cool, sei cool anche nei momenti di depre esistenziale).
Tutto fatto e detto all’improvviso.
N.B. Prima di pubblicare ho chiesto l’autorizzazione alla diffusione alla piccola (che conserva tutti i diritti); ma non ditelo alla nonna, lei non ci avrebbe autorizzato, e magari avrebbe avuto pure ragione…
Il brano di Gian Piero Alloisio portato al successo nel 1981 da Guccini nell’album “Metropolis“, l’ultimo vinile del maestrone che ho comprato e consumato.
Alloisio, invece, l’ho incrociato tanti anni fa fuori il teatro Politeama di Napoli, dove c’era un concerto di Gaber.
Una persona squisita, simpatica e dotata di fine ironia. Alloisio, intendo.
Venezia, infine, è il ricordo più intenso dei miei 18 anni, compiuti là, perdendomi tra le calli, in direzione contraria al flusso incessante dei turisti. Accompagnavo malamente alla chitarra un gruppo di sudamericani. Intorno a noi si faceva la folla sui ponti, fuori dalla stazione e in piazza San Marco. Con i soldi che raccimolavamo compravano il vino e lo condividevamo con chi ci ascoltava cantare “Mais que nada“, “Gracias a la vida” e “La Fiesta de San Benito“… Eravamo in lotta continua con le pattuglie protoleghiste dei vigili. Mangiavamo quando potevamo e dormivamo sull’asfalto di Santa Lucia. Jehová arrotondava facendo ritratti ai passanti. L’ultima stagione dei maledetti saccopelisti selvaggi che invadevano la città. Ci svegliavano alle 6 del mattino con gli idranti.
La penultima volta tornai a Venezia quattro o cinque anni dopo, di passaggio, per il concertone dei Pink Floyd che segnò la fine del turismo giovanile a Venezia. Venivo da Granada. Organizzarono un’area fuori città per chi non aveva un posto per dormire.
A quei tempi l’acqua alta tutt’al più lambiva le caviglie.
La prima volta c’ero stato con mio padre in un viaggio verso Trieste.
L’ultima volta dormivo di nuovo in un albergo e Venezia mi diede fastidio. Come bere in un bicchiere di cristallo con la paura che si frantumi nelle tue mani. E non riuscivo più a sentire il sapore buono del vino.
Poi sono arrivate le orde dei crocieristi e l’acqua altissima di questi cambiamenti climatici.
Eppure, pare che il punto più alto si sia raggiunto nel 1966. L’anno in cui venni al mondo. Piuttosto lontano da Venezia, in verità.
Voglio l’utopia, voglio tutto e di più.
Voglio la felicità negli occhi di un padre.
Voglio l’allegria, tante persone felici…
Voglio che la giustizia regni nel mio paese.
Voglio la libertà. Voglio il vino ed il pane.
Voglio essere amicizia. Voglio amore, piacere…
Voglio la nostra città sempre piena di sole.
I ragazzi e il popolo al potere, voglio vedere.
San José di Costa Rica, cuore civile,
Ispira al mio sogno d’amore il Brasile.
Se il poeta è colui che sogna ciò che sarà reale,
È bello sognare le buone azioni che compie l’uomo
Ed aspettare i frutti nel cortile.
Senza più polizia, senza milizia né raggiri, dove sta il potere?
Viva l’accidia, viva la malizia che solo la gente sa avere.
Così, dichiarando la mia utopia, sto conducendo la vita mia.
Vivo molto meglio,
Nella spasmodica attesa di vedere che il mio sogno ostinato diventi realtà.
[Milton Nascimento, “Coração civil“, 1981.]
La traduzione, piuttosto libera, ma radicata nel testo originale, è mia.
Quero a utopia, quero tudo e mais. Quero a felicidade dos olhos de um pai. Quero a alegria, muita gente feliz… Quero que a justiça reine em meu país. Quero a liberdade. Quero o vinho e o pão. Quero ser amizade. Quero amor, prazer. Quero nossa cidade sempre ensolarada. Os meninos e o povo no poder, eu quero ver.
São José da Costa Rica, coração civil, Me inspire no meu sonho de amor Brasil. Se o poeta é o que sonha o que vai ser real, Bom sonhar coisas boas que o homem faz E esperar pelos frutos no quintal.
Sem polícia, nem a milícia, nem feitiço, cadê poder? Viva a preguiça, viva a malícia que só a gente é que sabe ter. Assim dizendo a minha utopia eu vou levando a vida. Eu viver bem melhor, Doido pra ver o meu sonho teimoso, um dia se realizar.
Era il 1981. “Coração Civil” era la nona traccia dell’album “Caçador de mim“.
Milton Nascimento la compose a quattro mani con il poeta Fernando Brant, suo complice nella scrittura di oltre 200 canzoni che sono parte integrante della Música Popular Brasileira. Fernando e Milton, erano i Mogol/Battisti della MPB ed erano molto di più. Insieme con un collettivo di artisti che comprendeva, tra gli altri Lô e Márcio Borges, Wagner Tiso, Beto Guedes, Flávio Venturini e Toninho Horta, fondarono a Belo Horizonte (capitale di Minas Gerais) un movimiento musicale che prese il nome di “O Clube da Esquina“, il club dell’angolo. Erano gli anni ’60, in parallelo con i tropicalisti (Caetano Veloso, Gilberto Gil, Gal Costa, Tom Zé, Nara Leão, Rita Lee e Os Mutantes, Jorge Bem, Maria Bethânia…) la musica in Brasile stava cambiando.
“Nada ficou como antes“, niente restó come prima in quell’enorme federazione di Stati pieni di fermenti culturali, ma oppressi da una dittatura che durò fino alla metà degli anni ’80.
La bossa nova e il samba si incontravano con la musica pop britannica (soprattutto i Beatles), con la cultura hippy, i ritmi africani, il jazz e il jazz-rock, la psichedelia, la musica e l’arte di impegno civile…
“Coração civil” fu composta qualche anno dopo questi primi fermenti, quando ormai cominciava a intravedersi un processo di democratizzazione che preludeva alla fine della ventennale dittatura del Brasile.
Il riferimento al Costa Rica ed alla sua capitale (San José) è dovuto al fatto che questo piccolo Paese del Centro America è uno Stato di antica e salda democrazia e, dal 1948, è anche la prima nazione al mondo a non avere un esercito (con le caserme trasformate in musei e gli investimenti in armi deviati verso l’istruzione, la lotta alla povertà e la protezione dell’ambiente e del territorio):
Sem polícia, nem a milícia, nem feitiço, cadê poder?
Senza più polizia, senza milizia né raggiri, dove sta il potere?
Un’utopia realizzata, la concretizzazione del sogno di un poeta, perché
Se o poeta é o que sonha o que vai ser real, Bom sonhar coisas boas que o homem faz E esperar pelos frutos no quintal.
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Al margine, in appendice…
Ascoltate anche questa versione tratta dal musical “Ser MINAS tão GERAIS“, un cui Milton canta con il gruppo teatrale Ponto de Partida e con il coro dei bambini di Araçuai.
Nella spasmodica attesa che il mio ricorrente sogno diventi realtà.
Tre ore di pace e musica al “Mediterraneo Reading Festival” di Frattamaggiore
Per la terza e ultima serata del MRF abbiamo chiesto a una serie di amici musicisti e cantanti di restituirci qualcosa del clima dell’ultimo periodo degli anni ’60. Lo spunto era il cinquantenario delle tre giornate di Woodstock che videro raccolto il movimento hippie, ad agosto del ’69, in un grande appezzamento di terreno affollato da almeno 400.000 persone; più di quanti ne abitino a Bologna, a Bari o a Firenze, per intenderci.
Un evento epocale della storia del rock e della cultura PEACE & LOVE, ma, per certi versi, anche il canto del cigno della generazione dei figli dei fiori, l’inizio del declino di quel movimento informale che aveva protestato contro la guerra in Vietnam (1955-1975), chiedendo di sostituire le chitarre coi fucili, predicando l’amore libero, cercando l’allargamento degli stati di coscienza attraverso le droghe e il ritorno alla natura e alla vita comunitaria. Erano tempi in cui un crescente numero di giovani manifestava un rifiuto per le norme imposte e il conformismo della vita borghese dei padri, riecheggiando lo spirito contestatario che si era sviluppato con la beat generation a ridosso della seconda guerra mondiale. A ben vedere si tratta di temi che si muovono su binari paralleli e intrecciati con quelli dei giovani protestatari di ogni tempo e con quelli delleonde di indignados a di ambientalisti odierni; anche se sono radicalmente cambiati i meccanismi di creazione e fruizione degli eventi culturali e noi, con questa rievocazione, abbiamo voluto anche guardare a quegli anni con l’affetto che nutriamo per le cose perdute dei tempi andati. Per quanto, in molti casi, abbiamo dovuto frapporre anche la giusta distanza ironica con quella generazione di perdenti beat (perché è evidente che il movimento, in larga parte, perse e si disperse nei meandri del tempo, anche se di tanto in tanto ne riemergono rivoli carsici). Nel corso della serata abbiamo ascoltato brani che si sono suonati a Woodstock e brani che si sarebbero potuti suonare a Woodstock, alternandoli con canzoni italiane sempre risalenti a quei fatidici anni che vanno dal ‘68 agli inizi degli anni ‘70.
Il concerto si è aperto con Emanuele Picozzi, artista locale di respiro internazionale, che ha presentato il classico beatlesiano Hey Jude. In realtà, i Beatles non parteciparono di persona al festival di Woodstock, ma, visto che nel ‘69 si era nel pieno della beatlesmania, alcune delle loro celeberrime canzoni furono interpretate da Joe Cocker (il padre putativo di Zucchero ‘Sugar’ Fornaciari) e da Richie Havens (quello di Freedom e di Gay Cavalier, canzone di lancio di un album prodotto nel 1983 da Pino Daniele e, incredibilmente, mai stampato su CD). Su quel palco Joe Cocker cantò una delle più belle versioni di “With a Little Help from My Friends” che si ricordi e Havens reinterpretò, da solo con la chitarra acustica, quello stesso brano insieme con “Strawberry Fields Forever” e, per l’appunto, “Hey Jude”. Di seguito Emanuele Picozzi ci ha fatto ascoltare “Io vivrò” di Mogol/Battisti, brano pubblicato prima dai The Rokes, nel ‘68, e poi da Battisti stesso, nel ‘69, nel pieno della musica beat all’italiana.
Filippo Piccirillo e Silvana Silvestri (2/6 del tostissimo gruppo Rall’n”FACC band) hanno proposto una loro personale versione di “Summertime” (in ricordo della versione acida del capolavoro di George Gershwin presentata a Woodstock da Janis Joplin) ed uno struggente brano di Ornella Vanoni, “Una ragione di più”, riletto da Filippo, nella parte finale, in chiave prog. Infine, ci hanno deliziato con un omaggio agli Alunni del Sole eseguito attraverso l’esecuzione di “L’Aquilone” e di “Concerto”, entrambi rigorosamente del 1969, ovvero brani che hanno 50 anni ma se li portano benissimo. Gli Alunni del Sole sono tra gli antesignani del beat italiano (e napoletano) e, insieme con gli Showmen, aprirono la strada “rhythm & blues” all’italiana.
Con i CMPS Project from Caivano (Italy), siamo approdati sulle rive di Jimi Hendrix per ascoltare “Little Wing”, uno dei brani più coverizzato di sempre dedicato alla piccola ala, l’ispirazione che viene a consolare l’isolamento e la sofferenza degli artisti:
“Quando sono triste viene a trovarmi Con un migliaio di sorrisi Per i quali non chiede nulla in cambio
Va tutto bene, mi dice Tutto bene Prendi da me quello che vuoi Qualsiasi cosa
Continua a volare Piccola Ala”.
L’anno dopo la performance di Woodstock sarebbero morti sia Hendrix (per un cocktail di alcol e tranquillanti, a settembre) sia Janis Joplin (per overdose, ad ottobre). Avevano entrambi 27 anni. La stessa età di Brian Jones, membro fondatore dei Rolling Stones, morto il mese prima della festa di Woodstock.
Giusto due anni dopo di lui (il 3 luglio del 1971) se ne andò Jim Morrison il cantante icona dei Doors. Poi sarà la volta di Leila Diniz, eccentrica attrice brasiliana (1972), di Jean-Michel Basquiat, vulcanico artista pop (agosto 1988), di Kurt Cobain (aprile 1994) e Amy Winehouse (luglio 2011). Il club dei (J)27, la lunga sequela di artisti morti a soli 27 anni, quasi sempre per certe oscure contiguità con alcol e droghe. Perché magari l’uso di sostanze stupefacenti può pure allargare gli stati di percezione, ma di certo l’abuso accorcia la vita. Va be’, bando ai moralismi d’accatto, l’esibizione rock dei CMPS Project è continuata con uno dei brani più famosi del progressive all’italiana, il classico della PFM Impressioni di settembre. In realtà, con il brano di Mussida, Mogol e Pagani abbiamo fatto un piccolo salto temporale e siamo arrivati al 1971. Ma siamo nella stessa atmosfera. E poi ci voleva un brano dedicato a questo incerto settembre, “il mese del ripensamento sugli anni e sull’età” (Guccini, “Canzone dei 12 mesi”).
Dalle fresche e giovani voci di Chiara Pezzella, al canto, e di Nicola Copertino, al sassofono tenore, abbiamo ascoltato un’intensa interpretazione di una canzone dei Jefferson Airplane, “Somebody to love”, e un brano in italiano degli stessi anni, “Ho difeso il mio amore”, impreziosito dal loro arrangiamento per sola chitarra, sax e voce. “Somebody to love” è il primo grande successo della band di San Francisco. Un inno e una bandiera della “Summer of Love” dei giovani californiani che predicavano e diffondevano i loro ideali di pace, amore e libertà attraverso la musica e il loro look psichedelico e fricchettone. E in Italia gruppi come i Camaleonti, i Corvi, i Dik Dik, l’Equipe 84, i Giganti e i Ribelli raccolsero il messaggio cantando loro traduzioni di canzoni beat inglesi e americane. Tra queste, la traduzione di Nights in White Satin dei Moody Blues, resa in italiano con “Ho difeso il mio amore”, un altro inno all’amore libero, fiorito e fluorescente della generazione hippie riproposto sia dai Profeti (nel ’68) che dai Nomadi (nel ’69).
In the meantime, nel frattempo, in Italia Nada cantava un brano bellissimo e struggente, “Ma che freddo fa”, che ci è stato riproposto dalla cantautrice Germana Grano insieme con “Storia d’amore” di Celentano. Germana è una cantautrice sensibile che si è formata con maestri del calibro di Brunella Selo e ha collaborato con il pianista Piero De Asmundis, oltre ad essere stata la vincitrice di una delle prime edizioni del Premio Bianca D’Aponte per giovani cantanti e autrici. I due brani che ci ha proposto, ben radicati nella tradizione della canzone all’italiana, hanno dimostrato di avere poco o nulla da invidiare alle canzoni di taglio più rock e rockeggiante che abbiamo ascoltato durante la serata. Personalmente ho sempre amato Ma che freddo fa, capolavoro di Franco Migliacci e Claudio Mattone cantato a Sanremo anche dai The Rokes (i rivali angloitaliani dell’Equipe 84), ma nel contesto di ieri è stata bellissima anche la versione di Storia d’amore accompagnata da Jennà Romano al bouzouki accentuando l’andamento tangheggiante del brano originale.
Pasquale Di Resta from Sessa Aurunca, chitarrista sensibile e creativo, grande conoscitore dello strumento sia nelle inflessioni rock che negli andamenti sudamericani e nelle sperimentazioni più ardite (tipo, chitarra elettrica suonata con l’archetto), ci propone una sua rilettura acustica e solitaria di “White Rabbit” dei Jefferson Airplane, brano psichedelico per eccellenza. È risaputo che negli ambienti hippie e post-hippie si ritenesse che suonare e percepire la musica in stati alterati di coscienza potesse ampliare le possibilità di comunicazione degli artisti; si pensava, insomma, che sostanze come cannabis, peyote, mescalina ed LSD aiutassero i musicisti ad entrare in una sorta di dimensione sciamanica e metafisica. Ma l’approccio dei Jefferson Airplane mi piace molto perché mi sembra più ironico e distaccato di quello di artisti più sanguigni e viscerali, come i J27 Jimi Hendrix, Janis Joplin e Jim Morrison. Immagino che i Jefferson Airplane potessero perfino apparire piuttosto distaccati e intellettualoidi rispetto alla stragrande maggioranza dei loro colleghi di Woodstock. Il brano che ascolteremo, per esempio, ha chiare influenze ritmiche e armoniche spagnoleggianti mutuate dal Bolero di Ravel e da Sketches of Spain di Miles Davis & Gil Evans (1960), oltre ad essere corredato da un testo che rievoca le atmosfere di Alice in the Wonderland (Alice nel Paese delle Meraviglie): i versi mescolano, infatti, immagini della favola del reverendo Lewis Carroll con una descrizione delle alterazioni provocate dagli acidi.
One pill makes you larger, and one pill makes you small And the ones that mother gives you don’t do anything at all Go ask Alice when she’s ten feet tall.
Una pillola ti rende grande e una pillola ti rende piccolo E quelle che ti dà la mamma in fondo non fanno nulla; Domandalo ad Alice, quando è alta tre metri.
D’altronde, lo stesso White Rabbit del titolo altri non è che il Bianconiglio della favola.
Di seguito Pasquale imbraccia la sua Diavoletta Gibson e rievoca due miti della chitarra anni ‘60, uno morto troppo presto e un altro ancora vivo, vegeto e produttivo: Jimi Hendrix e Carlos Santana.
Jimi Hendrix era già molto popolare ai tempi del suo storico concerto di Woodstock nel quale, tra l’altro, suonò una versione distorta e ferocemente parodica dell’inno nazionale americano, in chiara polemica con la guerra del Vietnam e il reclutamento coatto di tanti giovani statunitensi. Nel ‘67 era già uscito “Are You Experienced?”, uno degli album di debutto più belli della storia del rock. E proprio dalla versione americana di “Are You Experienced?” viene “Purple Haze”, una foschia viola che si estese su tutto il territorio di Woodstock e che Pasquale ha sparso a piene mani sulle nostre teste.
Di Santana (da Jalisco, Mexico) abbiamo ascoltato un altro dei brani iconici di Woodstock: “Soul Sacrifice”. C’è da dire che nel ‘69 Santana, contrariamente a Hendrix, non era affatto popolare, ma quel brano esteso per 11 minuti e suonato da lui e dai suoi sodali sotto l’effetto di acidi lo impose all’attenzione internazionale. Una sorta di rito collettivo suonato da un gruppo di sciamani invasati del rock. E Pasquale, accompagnato poderosamente da Mirko Del Gaudio alla batteria, Nicola Girardi al basso e Filippo Piccirillo alla tastiere (tutti rigorosamente sobri e non calati), ci ha restituito con la sua esibizione lo spirito e la sostanza di quel mitico rituale consumato a Woodstock ad agosto del ’69.
La serata si è chiusa con tutti i musicisti e i cantanti sul palco che, insieme con il presidente del MRF Domenico Giuliano e con il professore Luigi Caramiello, hanno eseguito una versione collettiva di Come Together, la canzone che apre il disco Abbey Road dei Beatles, uscito, pensate un po’, proprio nel settembre del 1969, giusto 50 anni or sono.
“One thing I can tell you is you got to be free”, “Una cosa che posso dirvi è che dovete essere liberi” dice un verso di questa famosissima canzone.
E allora… come on, All together, right now!
Come si faceva quando la musica si suonava nei parchi, i cantanti non venivano cantati dall’auto-tune e le note venivano dalle mani di musicisti sudati, senza rete e a perenne rischio di caduta.
Va buo’, mo faccio il nostalgico.
In una rievocazione ci vuole.
Soprattutto quando ci sono di mezzo i mitici anni ’60, o su di lì.
